Antico Bronzo Scultura Dipinta Vasi Etruria Roma Grecia Corinth Attica Sicilia

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Antico Bronzo Scultura Dipinta Vasi Etruria Roma Grecia Corinth Attica Sicilia Questo foglio informativo sul prodotto è stato originariamente stilato in lingua inglese. Si prega di consultare appresso una traduzione automatica dello stesso in lingua italiani. Per ogni domanda, si invita cortesemente a contattarci.

Ricchezza del mondo antico. Le collezioni Nelson Bunker Hunt e William Herbert Hunt.

DESCRIZIONE: Copertina morbida: 329 pagine. Editore: Kimbell Art Museum in associazione con Summa Publications; (1984). Questo libro offre un'opportunità senza precedenti per esaminare l'arte, gli atteggiamenti e le aspirazioni dell'antichità classica - un'epoca molto lontana da quella della nostra, ma che ancora si imprime fortemente sulla nostra, socialmente e culturalmente. La mostra abbraccia più di mille anni, estendendosi dal periodo arcaico in Grecia ed Etruria attraverso il ricco stile della Sicilia e dell'Italia meridionale fino ai periodi ellenistico e romano. Questa epoca vide il passaggio del potere da Atene a Roma e il trionfo finale dell'Oriente con l'istituzione della nuova capitale a Costantinopoli. Come dimostrerà la mostra, gli antichi trasformavano anche la loro forma più prosaica di ricchezza - la loro moneta - in oggetti di grande raffinatezza e maestria. Delle 112 monete selezionate dalla collezione di Nelson Bunker Hunt - considerata oggi una delle più belle in mani private - molte sono notevoli per la loro rarità, condizione o importanza storica, ma quasi tutte esibiscono qualità che le distinguono come opere d'arte.

È noto che i vasi greci sono tra i più grandi lasciti artistici dell'antichità. La loro decorazione deriva dalla vita quotidiana così come dalla ricca tradizione del dramma e della letteratura greca. I quindici esemplari che compongono la collezione di Nelson Bunker Hunt, tutti in mostra, comprendono sia pezzi a figure nere che a figure rosse di botteghe corinzie, attiche e dell'Italia meridionale. Il bronzo ha goduto di grande importanza nell'antichità come mezzo primario per la scultura "pura", anche se oggi possiamo apprezzare anche la fantasiosa decorazione di oggetti utilitaristici in bronzo. Entrambi gli aspetti dell'arte del bronzo si riflettono nei trentotto pezzi della William Herbert Hunt Collection. Tra questi ci sono riconosciuti capolavori di ritrattistica e piccola statuaria. In occasione della prima esposizione pubblica della maggior parte delle opere d'arte antiche recentemente assemblate dai fratelli Hunt, questa mostra dimostrerà che il genio dell'arte classica non si limitava alla scultura monumentale in pietra, ma trovava un'espressione eloquente e raffinatissima nelle fatiche dei disegnatori , metalmeccanici e incisori a stampo. Le opportunità di vedere le arti dell'antichità classica sono insolite. A causa dei numerosi pezzi spettacolari, rari e in molti casi unici inclusi nella selezione, questo libro ha dato un contributo importante alla conoscenza dell'argomento.

CONDIZIONI: PARI AL NUOVO. Praticamente non letto (ma con segni di usura molto lievi sulle copertine). Kimbell Art Museum (1983) 329 pagine. Il libro sembra praticamente non letto, forse le prime 25 pagine potrebbero essere state sfogliate. Le pagine sono pulite, nitide, non contrassegnate, non modificate, strettamente rilegate e "non lette", nel senso che è abbastanza chiaro che nessuno ha mai "letto" il libro. Ovviamente è sempre possibile che qualche navigatore di libreria abbia sfogliato il libro mentre era sullo scaffale del libraio, il che è sempre una possibilità con qualsiasi libro che ha viaggiato attraverso i normali canali di distribuzione al dettaglio che includerebbero le tradizionali librerie con scaffali ("mattoni e malta"). Oltre a ciò, è anche possibile che il proprietario originale abbia sfogliato il libro, magari guardando le illustrazioni. Tuttavia non ci sono indicazioni che il libro sia mai stato letto se non l'indicazione assolutamente più debole, quasi un semplice suggerimento, che qualcuno potrebbe aver sfogliato le prime 25 pagine del libro. E questo si basa principalmente sulla presunzione che con il libro che ha 40 anni... qualcuno, da qualche parte, a un certo punto deve averlo sfogliato almeno le prime pagine... anche se non ci sono tali indicazioni. Dall'esterno le copertine evidenziano un'usura molto lieve sui bordi e sugli angoli. Libri enormi e pesanti come questo sono scomodi da maneggiare e quindi tendono a mostrare un'usura accelerata degli scaffali, spesso trascinati sugli scaffali dei libri e urtati contro i bordi degli scaffali dei libri, poiché a causa delle loro dimensioni e del loro peso sono spesso vittime di ripensamenti negligenti, pigri o goffi. scaffalature. In questo caso c'è una piccola piega semiformata (1 pollice) o increspatura nell'angolo superiore aperto della copertina anteriore. Ciò è in genere causato da qualcuno che cerca di riporre il libro tra due libri adiacenti che sono già strettamente accantonati. Quindi la copertina inizia a piegarsi. In questo caso il libro viene ritirato prima che l'angolo della copertina si pieghi e formi una piega. Ma se sollevi il libro davanti a una fonte di luce e lo esamini attentamente, puoi vedere che a un certo punto l'angolo del libro è stato "sollecitato" poiché era strettamente inserito tra due libri adiacenti, lasciando una "grinza" molto debole " o segno di stress all'angolo. È un abbigliamento da scaffale molto comune trovato con libri con copertina morbida di grandi dimensioni. C'è anche una piega / piega altrettanto debole lungo e parallela al bordo inferiore della copertina posteriore, a partire dall'angolo inferiore aperto e che si estende per circa 1 1/2 pollici. Sembra che il bordo della copertina sia stato trascinato su un libreria, e ancora una volta, ha iniziato a piegarsi (ma non completamente). Altrimenti c'è solo un leggero sfregamento e rigatura lungo i bordi e gli angoli della copertina che abbiamo fatto del nostro meglio per "ritoccare". Descriviamo il libro come "come nuovo" dato lo scaffale debole e superficiale, ma francamente la maggior parte dei venditori di libri lo classificherebbe semplicemente come "nuovo". E in effetti, fatta eccezione per la debole usura da scaffale su sovraccoperta e copertine, le condizioni generali del libro sono relativamente coerenti con ciò che potrebbe passare come "nuovo" stock da un tradizionale negozio di libri a scaffale aperto con mattoni e malta (come Barnes & Noble , Borders o B. Dalton, ad esempio) in cui agli utenti è consentito sfogliare le scorte aperte, e quindi altrimenti i libri "nuovi" spesso mostrano un po' di usura da maneggiamento/scaffale/sfogliatura, in generale semplicemente a causa della manipolazione di routine e del calvario di essere accantonato e ri-accantonato. Soddisfazione garantita incondizionatamente. In magazzino, pronto per la spedizione. Nessuna delusione, nessuna scusa. IMBALLAGGIO PESANTE IMBOTTITO SENZA DANNI! Descrizioni meticolose e accurate! Vendita online di libri di storia antica rari e fuori catalogo dal 1997. Accettiamo resi per qualsiasi motivo entro 30 giorni! #068a.

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REVISIONE DELL'EDITORE:

Grande formato. Arte esposta al Kimball Art Museum; Museo delle Belle Arti della Virginia; Istituto d'arte di Detroit; Museo d'arte di Dallas; 1983.. Un grande libro d'arte che copre monete antiche e antichità di proprietà dei famigerati Hunt Brothers. Questo rimarrà un prezioso riferimento su monete e antichità molto importanti. I contenuti di questo libro includono: I vasi di Nelson Bunker Hunt - I bronzi di William Herbert Hunt - Le monete di Nelson Bunker Hunt - Note per le voci di moneta - Titoli abbreviati di riferimenti - Glossario - Mappe - Appendici - e indici. Molte illustrazioni, di cui 16 a colori.

RECENSIONE: Dietrich von Bothmer è presidente del Dipartimento di Arte Greca e Romana al Metropolitan Museum of Art di New York. Alan L. Boegehold è professore di lettere classiche alla Brown University.

RECENSIONE: Storico dell'arte classicista ed esperto di vasi, Metropolitan Museum of Art Curatore di arte greca e romana. Nato da una famiglia aristocratica di Hannover, Bothmer ha lavorato da giovane per l'artista e scultore espressionista tedesco Erich Heckel. Suo fratello maggiore, Bernard von Bothmer, entrò a far parte dei musei berlinesi nel 1932 come egittologo e il giovane Bothmer decise di intraprendere lui stesso una carriera museale. Ha studiato un anno alla Friedrich Wilhelms Universität di Berlino prima di ricevere una borsa di studio della Cecil Rhodes Foundation per studiare a Oxford nel 1938.

A Oxford conosce JD Beazley con il quale studierà. Bothmer si diplomò nel 1939 in studi classici. Fece quindi una lunga visita negli Stati Uniti, visitando musei e inviando informazioni sui vasi classici a Beazley, che in seguito le incorporò nelle sue successive monografie ("Attic Black-Figure Vase Painters", 1956, e "Attic Red-Figure Vase Painters ", seconda edizione, 1963). Ha studiato all'Università della California, Berkeley, 1940-1942, sotto il classicista e studioso di vasi HR W. Smith. Bothmer è stato borsista presso l'Università di Chicago per un anno nel 1942 prima di tornare a Berkeley per completare il suo dottorato di ricerca. nel 1944.

Il sentimento anti-tedesco era forte, Bothmer si arruolò nell'esercito degli Stati Uniti sebbene non fosse un cittadino, e fu assegnato al teatro del Pacifico meridionale. Lì fu ferito in azione - trasportando un commilitone per diverse miglia attraverso le linee nemiche - e premiato con una stella di bronzo e un cuore viola per i risultati eroici e la cittadinanza statunitense. Fu smobilitato nel 1945. Il fratello di Bothmer, anch'egli venuto negli Stati Uniti come curatore a Brooklyn, ha presentato il giovane Bothmer ai curatori, tra cui Gisela Marie Augusta Richter, curatrice di oggetti greci e romani, che lo ha guidato in un posto nel suo dipartimento come assistente curatoriale .

Bothmer rimase al Metropolitan per il resto della sua carriera. Si è affermato nel mondo sociale di New York, unendosi alle serate del benefattore d'arte Josephine Porter Boardman Crane (1873-1972) tra gli altri. Alla fine cadde in disaccordo con il direttore del Met, notoriamente anti-archeologo, Francis Henry Taylor. Nel 1959 Bothmer divenne curatore. Lo stesso anno viene eletto Presidente del comitato americano per il Corpus Vasorum Antiquorum, che ricopre fino al 1983. In questa veste, è autore di due fascicoli nel CVA, uno per il Boston Museum of Fine Arts e un altro per il Metropolitan.

Nel 1965 è stato nominato professore a contratto presso l'Institute of Fine Arts, New York University e l'anno successivo ha ricevuto una Guggenheim Fellowship. Ha sposato l'ereditiera del petrolio (e vedova del marchese Jacques de la Bégassière) Joyce Blaffer (nata nel 1926), che ha iniziato a fare donazioni significative al Met. Nel 1990 Bothmer è stato insignito della posizione di Distinguished Research Curator al Metropolitan. Il Met ha chiamato le due principali gallerie di ceramica classica "Bothmer Gallery I" e "Bothmer Gallery II" (finanziate dalla moglie) in suo onore nel 1999. 

Nel corso della sua vita, ha ricevuto lauree honoris causa dalle università di Oxford, Treviri ed Emory, nominato Chavalier de la Legion d'Honneur e membro sia dell'Académie française che del Deutsches Archäologisches Institut (DAI). Il fratello di Bothmer, Bernard, era un egittologo/storico dell'arte alla New York University. La carriera di Bothmer al Metropolitan è stata spesso controversa. Nel 1967, il direttore finanziario del museo, Joseph V. Noble e Bothmer annunciarono che un famoso cavallo di bronzo acquisito nel 1923 dal museo era un falso basato su motivi stilistici e test sui raggi gamma.

La coppia ha fatto un annuncio pubblico e ha rimosso il cavallo dalla vista. Tuttavia, Carl Bluemel dubitava delle loro scoperte stilistiche così come il curatore di arte greca e romana al Museum of Fine Arts di Boston, Cornelius Vermeule. Quando successivamente sono stati eseguiti test tecnici più sofisticati, l'opera si è dimostrata autentica. Bothmer è stato anche accusato che il suo desiderio di assicurarsi pezzi eccellenti per il Museo avesse portato a premiare commercianti e ladri senza scrupoli.

Il Met ha venduto gran parte della sua collezione di monete per pagare l'acquisizione, oltraggiando sia i professionisti del museo che gli archeologi. La provenienza oscura del vaso ha portato molti archeologi a credere che fosse stato recentemente scavato illegalmente da un sito archeologico italiano, probabilmente Cerveteri. Sebbene Bothmer e il direttore del Metropolitan Thomas Hoving abbiano insistito sul fatto che il vaso fosse rimasto a pezzi in una collezione di famiglia a Beirut, Hoving in seguito ammise nel 1993 che le prove collocate per la collezione di Beirut non facevano mai parte del cratere Euphronios del Met. Il cratere è stato rimpatriato nel 2006.

RECENSIONE: Dietrich Felix von Bothmer (1918–2009) è stato uno storico dell'arte americano di origine tedesca, che ha trascorso sei decenni come curatore presso il Metropolitan Museum of Art, dove è diventato il principale specialista mondiale nel campo dei vasi dell'antica Grecia. Von Bothmer è nato a Eisenach, in Germania, il 26 ottobre 1918. Ardente oppositore della dittatura nazista, von Bothmer frequentò la Friedrich Wilhelms University di Berlino e poi andò al Wadham College di Oxford nel 1938 con l'ultima borsa di studio Rhodes assegnata in Germania. Lì ha lavorato con Sir John Beazley sui suoi libri Attic Red-Figure Vase-Painters e Attic Black-Figure Vase-Painters, lavorando in collaborazione per raggruppare le opere identificando i singoli artigiani e laboratori che avevano creato ciascuno delle centinaia di vasi greci. Si è laureato nel 1939 con una specializzazione in archeologia classica.

Un tour dei musei negli Stati Uniti nel 1939 lasciò von Bothmer bloccato lì con l'inizio della seconda guerra mondiale. A causa dei suoi forti sentimenti anti-nazisti, si rifiutò di tornare in Germania e sfuggì per un pelo al rimpatrio contro la sua volontà. Ha conseguito il dottorato presso l'Università della California, Berkeley nel 1944. Sebbene non fosse ancora cittadino, nel 1943 si arruolò volontario nell'esercito degli Stati Uniti. Dopo 90 giorni nell'esercito degli Stati Uniti, ha prestato giuramento come cittadino statunitense nel marzo 1944. Ha prestato servizio nel teatro delle operazioni del Pacifico, guadagnandosi una medaglia di bronzo e un cuore viola per un cospicuo atto di coraggio l'11 agosto 1944, mentre prestava servizio nel Pacifico meridionale, dove, nonostante fosse ferito alla coscia, al piede e al braccio , recuperò un compagno ferito e lo riportò indietro di tre miglia attraverso le linee nemiche.

  Dopo il completamento del servizio militare, fu assunto dal Metropolitan Museum of Art nel 1946 e fu nominato curatore nel 1959. Nel 1973 era presidente del dipartimento e nel 1990 è stato nominato illustre curatore della ricerca. Il governo italiano ha chiesto la restituzione dell'oggetto, adducendo affermazioni secondo cui il vaso era stato prelevato illegalmente da un antico sito etrusco vicino a Roma. Il cratere era uno dei 20 pezzi che il museo ha rispedito in Italia nel 2008 in cambio di prestiti pluriennali di antichi manufatti che sono stati esposti al Met, nell'ambito di un accordo raggiunto nel 2006.

La mostra di Von Bothmer del 1977 "Thracian Treasures from Bulgaria" copriva venti secoli di cultura tracia, con più di 500 opere d'arte risalenti all'età del rame. La mostra del 1979 "Arte greca delle isole dell'Egeo" comprendeva 191 pezzi, di cui 46 provenivano dal Met e un numero simile dal Louvre. Il resto proveniva da diversi musei della Grecia, inclusa la più grande scultura delle Cicladi conosciuta, risalente al 2700-2300 a.C., in prestito dal Museo Archeologico Nazionale di Atene. Una mostra del 1985 basata sulla sua ricerca, "The Amasis Painter and his World: Vase Painting in Sixth Century BC Athens", includeva 65 opere di un singolo artista che aveva creato le sue ceramiche 2500 anni prima, il primo a documentare la storia del lavoro di un singolo artigiano di quel periodo antico come mostra personale.

Le numerose opere pubblicate di Von Bothmer sul campo includono "Amazzoni nell'arte greca" del 1957, "Arte antica da collezioni private di New York" e "An Inquiry Into the Forgery of the Etruscan Terracotta Warriors in the Metropolitan Museum of Art" (con Joseph V . Noble), entrambi pubblicati nel 1961, "Greek Vase Painting: an Introduction" nel 1972, il suo libro del 1985 "The Amasis Painter and His World: Vase-Painting in Sixth-Century BC Athens", il suo libro del 1991 "Glories of the Past : Ancient Art from the Shelby White and Leon Levy Collection", e nel 1992,"Euphronios, peintre: Actes de la journee d'etude organisee par l'Ecole du Louvre et le Departement des antiquites grecques, etrusques de l'Ecole du Louvre ". Ha anche contribuito nel 1983 a "Wealth of the Ancient World (Hunt Art Collections", a "Development of the Attic Black-Figure" Revised edition (Sather Classical Lectures)" nel 1986, e un'ampia varietà di altre pubblicazioni. Ha assunto una posizione di facoltà nel 1965 presso l'Institute of Fine Arts, il programma di laurea in storia dell'arte più importante della nazione, secondo lo studio del 1994 del National Research Council.

Von Bothmer ha ricevuto numerosi premi e citazioni, tra cui un Chevalier de la Légion d'honneur; un membro dell'Académie française (uno degli unici due americani ad avere questo onore); membro onorario del Wadham College; e diversi dottorati honoris causa. A complemento della sua carriera di curatore e accademico, ha fatto parte dell'Art Advisory Council della International Foundation for Art Research (IFAR). Residente sia nel distretto di Manhattan di New York City che a Oyster Bay, New York, von Bothmer è morto all'età di 90 anni il 19 ottobre 2009 a Manhattan. Suo fratello era il famoso egittologo Bernard V. Bothmer, morto nel 1993.

REVISIONE PROFESSIONALE:

Una magnifica collezione di arte antica. Famosi non solo per la loro manipolazione del mercato dell'argento, gli Hunt Brothers hanno anche accumulato una collezione di rara arte antica. Questo è un documentario dell'arte, principalmente statuaria in bronzo di origine sia greca che romana, vasi greci e monete greche e romane eccezionalmente rare. Molti di questi esemplari sono molto rari e non possono essere trovati descritti o fotografati se non all'interno di questo catalogo. Riccamente illustrato unito a una narrativa accademica e arricchente. Sicuramente un “da non perdere”.

RECENSIONE DEL LETTORE:

Gli Hunt Brothers (dell'infamia) divennero famosi in tutto il mondo numismatico per la collezione di monete antiche romane e greche eccezionalmente rare ed eccezionalmente belle. Il serio appassionato di monete antiche non rimarrà deluso qui, poiché viene esposta l'intera collezione. La collezione dei fratelli Hunt era forse meno rinomata per la loro collezione di vasi attici e corinzi altrettanto rari; e i loro bronzi greco-romani. Questo libro unico, su larga scala ("dimensioni di un tavolino da caffè", se vuoi), presenta questi rari artefatti sia nell'immagine che nella descrizione, ed è francamente elettrizzante. Il catalogo è difficile da trovare, ma ne vale la pena. È solo in rare occasioni che trovi un tale accumulo di opere d'arte antiche in un unico catalogo. Ben scritto, foto sontuose, sicuramente un “dieci”.

SFONDO AGGIUNTIVO:

Antica ceramica greca: La ceramica è praticamente indistruttibile. Sebbene possa rompersi in pezzi più piccoli (chiamati brandelli), questi dovrebbero essere macinati manualmente in polvere per essere rimossi dalla documentazione archeologica. In quanto tale, c'è abbondanza di materiale per lo studio, e questo è eccezionalmente utile per gli studiosi moderni. Oltre ad essere un ottimo strumento per la datazione, la ceramica consente ai ricercatori di individuare siti antichi, ricostruire la natura di un sito e indicare prove di scambi tra gruppi di persone. Inoltre, i singoli vasi e la loro decorazione pittorica possono essere studiati in dettaglio per rispondere a domande sulla religione, la vita quotidiana e la società.

Realizzati in terracotta (argilla cotta), i vasi e le coppe dell'antica Grecia, o "vasi" come vengono normalmente chiamati, erano modellati in una varietà di forme e dimensioni e molto spesso la forma di un vaso è correlata alla sua funzione prevista. Ad esempio, il cratere veniva utilizzato per mescolare acqua e vino durante un simposio greco (una festa bevuta tutta maschile). Permette a un individuo di versare liquidi nella sua ampia apertura, mescolare il contenuto nella sua ciotola profonda e accedere facilmente alla miscela con un mestolo separato o una piccola brocca. Oppure, il vaso noto come hydria era usato per raccogliere, trasportare e versare acqua. Presenta un corpo bulboso, un beccuccio pizzicato e tre manici (due ai lati per tenere e uno teso lungo la parte posteriore per inclinare e versare).

Per discutere le diverse zone dei vasi, gli specialisti hanno adottato termini che si riferiscono alle parti del corpo. L'apertura della pentola si chiama bocca; lo stelo è indicato come il collo; la pendenza dal collo al corpo si chiama spalla; e la base è nota come piede). All'esterno, i vasi greci esibiscono composizioni dipinte che spesso riflettono lo stile di un certo periodo. Ad esempio, i vasi creati durante il periodo geometrico (circa 900-700 a.C.) presentano motivi geometrici, come si vede sulla famosa anfora Dipylon (sotto), mentre quelli decorati nel periodo orientalizzante (circa 700-600 a.C.) mostrano processioni di animali e Motivi del Vicino Oriente.

Successivamente, durante il periodo arcaico e classico (circa 600-323 aC), le pitture vascolari mostrano principalmente attività umane e mitologiche. Queste scene figurative possono variare ampiamente, dagli eventi della vita quotidiana (ad esempio, andare a prendere l'acqua alla fontana) alle gesta eroiche e ai racconti omerici (ad esempio, Teseo e il toro, Ulisse e le Sirene), dal mondo degli dei (ad esempio, Zeus che rapisce Ganimede) alle rappresentazioni teatrali e alle gare atletiche (ad esempio, l'Orestea, corsa delle bighe). Sebbene sia importante sottolineare che tali scene dipinte non dovrebbero essere pensate come fotografie che documentano la realtà, possono comunque aiutare a ricostruire la vita e le credenze degli antichi greci.

Per produrre i caratteristici colori rosso e nero che si trovano sui vasi, gli artigiani greci usavano l'argilla liquida come vernice (chiamata "barbottina") e perfezionarono un complicato processo di cottura in tre fasi. Non solo le pentole dovevano essere impilate nel forno in un modo specifico, ma anche le condizioni all'interno dovevano essere precise. In primo luogo, la temperatura è stata portata a circa 800° centigradi e le prese d'aria consentivano un ambiente ossidante. A questo punto, l'intero vaso è diventato di colore rosso. Successivamente, sigillando le prese d'aria e aumentando la temperatura fino a circa 900-950° centigradi, tutto è diventato nero e le zone dipinte con la barbottina vetrificata (trasformata in una sostanza vetrosa). Infine, nell'ultima fase, sono state riaperte le bocchette e le condizioni ossidanti sono tornate all'interno del forno.

A questo punto le zone non verniciate del vaso ridiventavano rosse mentre la barbottina vetrificata (le zone verniciate) conservava una tonalità nera lucida. Attraverso l'introduzione e la sottrazione di ossigeno nel forno e, contemporaneamente, l'aumento e la diminuzione della temperatura, la barbottina si trasformava in un colore nero lucido. In breve, i vasi greci antichi mostrano diverse tecniche pittoriche, e queste sono spesso specifiche del periodo. Durante i periodi geometrico e orientalizzante (900-600 aC), i pittori impiegavano il compasso per tracciare cerchi perfetti e utilizzavano metodi di sagoma e contorno per delineare forme e figure.

Attorno al 625-600 aC, Atene adottò la tecnica delle figure nere (ovvero figure di colore scuro su sfondo chiaro con dettagli incisi). Nata a Corinto quasi un secolo prima, la figura nera utilizza il modo della silhouette in combinazione con l'aggiunta di colore e incisione. L'incisione comporta la rimozione della barbottina con uno strumento affilato, e forse la sua applicazione più magistrale si trova su un'anfora di Exekias. Spesso descritti come Achille e Aiace che giocano, i guerrieri seduti si inclinano verso il centro della scena e sono vestiti con abiti che presentano intricati motivi incisi. Oltre a mostrare figure definite in modo più realistico, i pittori a figure nere si sono preoccupati di differenziare il genere con il colore: le donne sono state dipinte con l'aggiunta di bianco, gli uomini sono rimasti neri.

La tecnica a figure rosse fu inventata ad Atene intorno al 525-520 a.C. ed è l'inverso della figura nera. Qui figure di colore chiaro sono incastonate su uno sfondo scuro. Usando il colore aggiunto e un pennello per dipingere nei dettagli, i pittori a figure rosse hanno annacquato o addensato la barbottina per creare effetti diversi. La barbottina annacquata o "vernice diluita" ha l'aspetto di un lavaggio ed è stata utilizzata per i capelli, la pelliccia e l'anatomia, come esemplificato dal mantello abbozzato della lepre e dalla muscolatura del giovane all'interno di questa coppa di Gorgos. Una volta addensato, l'ingobbio veniva utilizzato per formare le cosiddette "linee in rilievo" o linee sollevate in modo prominente dalla superficie, e queste erano spesso impiegate per delineare le forme. Sorprendentemente simile alla tecnica a figure rosse è la tecnica a fondo bianco.

Sebbene visivamente abbastanza diverso con le sue figure policrome su uno sfondo bianco, il fondo bianco richiede all'artigiano di dipingere nei dettagli delle forme proprio come le figure rosse, piuttosto che inciderle. Accanto a figure e oggetti, a volte si possono trovare iscrizioni. Questi identificano figure mitologiche, uomini o donne belli contemporanei al pittore (iscrizioni "kalos" / "kale") e persino il pittore o vasaio stesso ("egrapsen" / "epoiesen"). Le iscrizioni, tuttavia, non sono sempre utili. Imitando l'aspetto di un testo significativo, le "iscrizioni senza senso" ingannano lo spettatore analfabeta disponendo le lettere greche in modo incoerente.

La qualità complessiva attraente dei vasi greci, le loro dimensioni relativamente ridotte e, a un certo punto, la loro natura facilmente ottenibile, li portarono a essere oggetti da collezione molto ambiti durante il diciottesimo e il diciannovesimo secolo. Dall'ultima parte dell'Ottocento, tuttavia, lo studio dei vasi divenne un'attività accademica e la loro decorazione divenne l'ossessione di intenditori dotati della capacità di riconoscere e attribuire le mani dei singoli pittori. Il più noto conoscitore di vasi del ventesimo secolo, un ricercatore interessato all'attribuzione, alla tipologia e alla cronologia, fu Sir John Davidson Beazley.

Interessato alle tecniche ateniesi a figure nere, a figure rosse e a fondo bianco, Beazley non prediligeva esemplari splendidamente dipinti; era imparziale e studiava brani di varia qualità con uguale attenzione. Dai suoi esami noiosi ed esaustivi, ha raccolto oltre 1000 pittori e gruppi e ha attribuito oltre 30.000 vasi. Sebbene alcuni ricercatori dalla morte di Beazley continuino ad attribuire ed esaminare lo stile di pittori o gruppi specifici, oggi gli studiosi di vasi mettono in dubbio anche la produzione tecnica dei vasi, i loro contesti archeologici, la loro distribuzione locale ed estera e la loro iconografia. [KhanAcademy.org].

Gli esperti tendono a parlare di "vasi greci" e "pittura vascolare greca", piuttosto che di vasellame o ceramica. Questa terminologia è in uso da molto tempo e riflette la lunga, e indiscutibilmente stretta, relazione del materiale con la storia dell'arte. La borsa di studio dei vasi greci si sviluppò dall'inizio del XVIII secolo, quando si iniziò a scoprire in Italia un gran numero di esempi.

Le classificazioni generali per la ceramica greca sono le stesse di qualsiasi altra: luogo, tempo, forma, tecnica e decorazione. La maggior parte è stata trovata nelle tombe. I contesti domestici sono rari perché i siti sono stati riutilizzati; ci vuole un vulcano come il Vesuvio per preservare la vita così come è stata vissuta. I contesti santuari sono noti, ma anch'essi non numerosi. Sapere dove è stata trovata la ceramica non conferma necessariamente la funzione. Ad esempio, alcuni trovati nelle tombe furono realizzati per i funerali, ma alcuni furono inizialmente realizzati per un altro scopo, usati, a volte persino riparati, e sepolti con i morti, presumibilmente come bene prezioso.

Il fulcro di questo articolo è la fine ceramica fatta a ruota, cotta a temperature relativamente elevate e decorata in vari modi, ma oggi sono note grandi quantità di ceramica greca antica grezza e non decorata, e questo materiale non è privo di importanza. La maggior parte delle persone che realizzavano le ceramiche più fini probabilmente realizzava anche altri prodotti di argilla, come sarcofagi, tegole, piccoli altari, figurine di terracotta e targhe. L'unico luogo e periodo in cui c'era una produzione più specializzata di ceramiche decorate con figure più fini è Atene nel tardo VI e V secolo.

La ceramica prodotta in Grecia tra il 1000 e il 300 aC circa è stata conservata in grandi quantità. La maggior parte degli esempi proviene da tombe scoperte non solo in Grecia, ma anche in molte parti della regione mediterranea, in particolare in Italia, dove la ceramica veniva esportata in grandi quantità nell'antichità. La ceramica "fine" con decorazione figurata, in particolare quella prodotta ad Atene tra il 625 e il 300 aC circa, è di grande importanza per archeologi e storici perché forme e stili di decorazione possono essere datati con precisione, spesso entro vent'anni dalla produzione.

La capacità degli studiosi di riconoscere singoli pittori vissuti più di 2500 anni fa, in assenza di firme e documentazione letteraria coeva, ha reso lo studio della ceramica greca decorata a figure un argomento di storia dell'arte. La conoscenza dei vasi greci, in particolare ateniesi, è un modello di eccellenza, che unisce un attento esame personale degli oggetti con una rigorosa documentazione di forme, tecniche e stili di decorazione.

La ceramica greca è stata realizzata da persone di lingua greca. Un numero significativo viveva al di fuori dell'area oggi riconosciuta come Grecia. C'è, ad esempio, una ricchezza di materiale proveniente dagli insediamenti costieri della Turchia moderna e da alcune delle sue isole al largo, in particolare del VI secolo. La ceramica in stile greco è stata prodotta anche nel Mediterraneo occidentale, ad esempio nell'Italia meridionale e in Sicilia, dalla fine del V secolo. L'interazione tra greci e non greci ha influenzato le forme, le tecniche e la decorazione della ceramica greca.

La ceramica dipinta greca ha una lunga storia. Convenzionalmente i primi esempi sono datati intorno al 1000 a.C., l'ultimo intorno al 300 a.C. La tradizione può essere fatta risalire alla ceramica dell'età del bronzo (cretese e micenea) e portata avanti attraverso l'ellenismo successivo, ma entrambi questi gruppi sono sufficientemente diversi dai principali sequenza che tendono ad essere studiati separatamente. Cosa tiene insieme la sequenza principale? La risposta è la storia politica, sociale ed economica, tanto quanto la conoscenza dell'invasatura e della pittura tramandata di generazione in generazione. Convenzionalmente la ceramica più fine di questi 700 anni è suddivisa in gruppi, per secoli o per metà, anche quarti, secoli, secondo stili e tecniche di decorazione.

Poiché la ceramica può essere datata da vicino, spesso entro 20 o 25 anni, attraverso date assolute e relative, c'è la tendenza ad usarla per datare altri tipi di oggetti, trovati sia in Grecia che nelle terre dove i greci viaggiarono, commerciarono e si stabilirono . C'è anche la tendenza a usare termini adottati per gli stili di decorazione della ceramica per denotare periodi di tempo. Ad esempio, si parla spesso di "Grecia geometrica", ma questa terminologia non è precisa e dovrebbe essere evitata; 'Atene geometrica' non è la stessa cronologicamente di 'Corinto geometrica'.

Buoni manuali presentano la ceramica greca in ordine cronologico, con sottosezioni dedicate alle regioni. Solo Atene figura in modo prominente come centro di produzione in tutti i periodi, ed è per questo motivo che l'ateniese viene utilizzato nella seguente breve introduzione ai principali stili e tecniche. Negli stili protogeometrico e geometrico la tecnica di solito non è altro che pittura scura su fondo chiaro. 'Orientalizzante' è il nome dato allo stile successivo, prodotto in una varietà di tecniche, sotto la crescente influenza orientale a partire dal 700 aC circa.

Altri, inizialmente i Corinzi, incisero dettagli sulla sagoma delle figure con uno strumento affilato, poiché avrebbero potuto inseguire decorazioni su metallo. Per un secolo o più, a seconda di dove vivevano, i greci svilupparono città-stato, alcune sotto potenti tiranni, e ottennero l'accesso a beni di "lusso" più orientali. Da piccoli oggetti portatili, per esempio, di metallo o osso/zanna di animale, prendevano motivi decorativi comuni e li adattavano alle proprie esigenze. Il godimento dei lussi orientali fu, tuttavia, limitato dalla metà del VI secolo, dopodiché i persiani iniziarono a conquistare gli insediamenti greci a est e persino a minacciare i greci a casa.

Sebbene non sia mai stata artisticamente celebrata come Atene né militarmente rinomata come Sparta, la città-stato di Corinto fu comunque un attore importante nel rinascimento della Grecia durante il primo millennium a.C., contribuendo in particolare allo sviluppo delle arti visive che raggiunsero il suo apice nel V sec. oltre il sacco di Corinto da parte dei Romani nel 146 a.C

Mappa della Cornovaglia Il racconto di Pausania della sua visita a Corinto nel II secolo d.C. registra la varietà di miti a lungo associati all'area: la scrofa di Krommyon uccisa da Teseo, il brigante Sinis che fece a pezzi le sue vittime tra due pini flessi, le fondamenta dei Giochi Istmici di Sisifo - così come i numerosi edifici antichi ancora in piedi, dall'arcaico Tempio di Apollo alle Sorgenti di Peirene, dalla ricca Agorà al Santuario di Afrodite. Il termine di Strabone per queste reliquie della città precedente, "Necrocorinzia", ​​fu usato da Humfrey Payne come titolo per il suo importante libro del 1933 sulla ceramica corinzia.

Dall'VIII secolo a.C., molti altri insediamenti locali furono attratti dalla ricca pianura costiera, dalle numerose sorgenti, dai porti di Lechaion e Kenchriai e dalla ripida acropoli dell'Acrocorinto che offriva protezione, con il risultato che Corinto fu in grado di espandersi, stabilire colonie all'estero, in particolare a Corfù e in Sicilia, e perseguire un maggiore commercio estero. Il primo scavo archeologico moderno fu intrapreso dai tedeschi nel 1886. Dal 1896 gli scavi sistematici furono continuati dalla Scuola Americana di Studi Classici ad Atene.

Sono state scoperte alcune ceramiche protogeometriche della tarda età del bronzo e della prima età del ferro, ma è lo stile geometrico successivo che è ben rappresentato. Vasi corinzi realizzati nella prima metà dell'VIII secolo a.C. sono stati trovati nel vicino santuario di Perachora e Delfi più avanti lungo il Golfo di Corinto, ad Aetos a Corfù e in tutta la Sicilia e nel sud Italia, fornendo agli archeologi prove dell'esplorazione corinzia del mare percorsi e per la datazione dei siti.

Alla fine dell'VIII secolo, quando lo stile geometrico stava volgendo al termine, il contatto corinzio con il Vicino Oriente fu uno stimolo per lo stile orientalizzante della ceramica greca. Le prove provenienti dagli scavi del "quartiere dei vasai", un miglio a ovest di Corinto, sembrerebbero supportare questo rinnovato interesse per le merci dipinte. I motivi geometrici tradizionalmente spigolosi venivano sostituiti con la flora e la fauna sinuose che caratterizzano lo stile protocorinzio. Per gran parte del VII e VI secolo Corinto guidò il mondo greco nella produzione ed esportazione di ceramiche.

Quando le merci attiche sostituirono il corinzio a metà del VI secolo, Corinto aveva lasciato un'eredità significativa di sviluppi artistici, non solo nella ceramica, ma anche nell'architettura, che aveva prosperato sotto la potente e aristocratica famiglia dei Bacchiadi, come descrive Erodoto. Una monarchia fu istituita da Kypselos nel 657, il cui successore, Periander, potrebbe essere stato responsabile della costruzione della pista di pietra (diolkos) con cui le navi venivano trascinate attraverso l'istmo. Molte guerre nel corso dei secoli successivi erosero le risorse di Corinto e la città cadde nelle mani di Filippo di Macedonia nel 338. La sua partecipazione con la Confederazione achea nella seconda guerra di Macedonia alla fine portò al suo saccheggio nel 146, ma Corinto fu rifondata come colonia romana. Quando Paolo vi stabilì una chiesa paleocristiana alla fine del I secolo d.C., Corinto era di nuovo una splendida città.

Storicamente Atene ha ricevuto gran parte del merito per aver impedito alla Grecia di entrare a far parte dell'Impero Persiano. Il V secolo fu il suo periodo più bello, documentato nella letteratura contemporanea, sopravvissuta, e celebrato nell'arte monumentale, anch'essa sopravvissuta; l'esempio più famoso è il Partenone. Il V secolo, e la fine del VI, fu anche il periodo in cui si producevano le migliori ceramiche. Ciò che lo distingueva era la ricchezza della narrazione, la precisione tecnica e un raffinato senso del design estetico.

Le stesse aspirazioni di Atene all'impero furono deluse alla fine del V secolo, dopo che entrò in un conflitto disastroso con la sua rivale Sparta, documentato anche nella letteratura contemporanea. Economicamente sembra essersi ripresa abbastanza in fretta, ma i grandi artisti erano già andati altrove per il mecenatismo. Anche la produzione di ceramiche ne risentì. Complessivamente la qualità della forma e la tecnica della decorazione tendevano a declinare, lasciandoci l'impressione che la pittura fine fosse eseguita su pareti, non più su ceramica.

Il rapporto tra la pittura greca e la ceramica greca ha a lungo incuriosito gli studiosi. La ceramica greca, anche la più fine con decorazione a figure, si è conservata in quantità. Oggi più di 100.000 esemplari di ateniese, dal 600 al 300 a.C., sono conservati in musei e collezioni private di tutto il mondo. La pittura greca, invece, del 1000-300 aC è sopravvissuta a malapena. Ci sono pitture murali di strutture sontuose dell'età del bronzo e pitture tombali della Macedonia del tardo IV secolo, ma poco prezioso dalla Grecia continentale. I nomi dei pittori murali nelle fonti letterarie antiche, la descrizione del soggetto di dipinti famosi e le discussioni sulle tecniche rendono irresistibile per gli studiosi cercare scorci di quest'arte perduta.

Raramente conosciamo il nome antico delle forme, anche se abbiamo la letteratura contemporanea. Le immagini dipinte sulla ceramica possono fornire gli indizi più affidabili per collegare la funzione alla forma. Le forme mostrano continuità e un notevole grado di omogeneità nel lungo periodo. Anche nell'Atene del V secolo, al culmine della produzione "fine", ce ne sono poco più di 30. Di questi meno della metà sono comuni. Nel complesso c'è solo una modesta varietà di tecnica, design ed elementi decorativi.

Le figure dominano; di solito sono umani e di solito sono incorniciati da schemi che, sebbene vari, derivano da una gamma modesta di elementi componenti. La coerenza complessiva, dovuta alla produzione su larga scala e abbastanza sofisticata, e al gran numero di esemplari conservati, ha aiutato Sir John Beazley, tra gli altri, a classificare il materiale. Beazley era così meticoloso nel registrare i dettagli sulla ceramica ateniese decorata con figure dal VI al IV secolo che potevano essere trasferiti al computer con modifiche minime.

La forma d'arte più vicina che è stata conservata è la pittura su ceramica, e la principale ceramica durante il periodo dei grandi pittori murali è quella ateniese. Dal 600 al 500 circa le principali tecniche ceramiche erano a figure nere su fondo rosso (figure nere), e dal 500 al 300 circa un'inversione del procedimento di cottura, dando figure rosse su fondo nero (figure rosse). Nessuna delle due tecniche è molto realistica, ma entrambe sono durevoli e sfruttano il rossore naturale dell'argilla ateniese, ricca di ferro.

Una terza tecnica delinea figure su un fondo reso bianco utilizzando una speciale argilla esente da ossidi di ferro, applicata sopra la comune argilla rossastra. Questa cosiddetta tecnica del fondo bianco (fondo bianco) ha una storia piuttosto lunga, ma è comune solo ad Atene durante il V secolo. Dà un effetto più realistico rispetto alle figure nere e rosse e consente l'aggiunta di colori che vanno dal giallo al rosa, rosso, viola e blu - e probabilmente si avvicina di più alla pittura su pannelli e pareti. La tecnica del disegno è, tuttavia, solitamente la stessa del disegno a figure rosse.

Le fonti antiche descrivono i progressi compiuti nell'arte della pittura, e alcune possono essere paragonate, a grandi linee, alla ceramica ateniese. Ecco alcuni esempi, in ordine cronologico. Fino al 520 aC circa la figura umana era raffigurata come lo era stata in tutta l'arte bidimensionale precedente, di profilo o, meno comunemente, in combinazione di profilo e viste frontali. Poi, su alcune grandi forme fittili ben fatte, alcuni pittori sperimentarono verso la fine del VI secolo pose più realistiche, tentando di mostrare il corpo umano com'era nella vita, non stilizzato come era stato nell'arte.

Hanno anche tentato di mostrarlo in movimento. Nelle fonti antiche (Plinio, Storia naturale 35.55-6) si dice che un uomo di nome Kimon della città di Kleonai abbia inventato in questo periodo viste di tre quarti, mostrando figure in varie pose, guardando in alto, in basso, all'indietro, ecc. ., con parti del corpo chiaramente articolate - ossa e muscoli, persino vene - e panneggi con pieghe e grinze. Progressi simili possono essere visti nella scultura, in particolare nel bassorilievo, all'incirca nello stesso periodo, ma i primi passi verso il cambiamento artistico potrebbero essere venuti dai disegnatori.

Alla metà del V secolo un piccolo numero di belle e grandi sagome presenta figure disposte su piani diversi, non su un unico piano di fondo come nell'arte precedente. In questo momento le fonti antiche ci dicono che uno dei più famosi pittori greci, Polygnotos, dall'isola greca settentrionale di Thasos, introdusse figure su diversi livelli in dipinti che eseguì sulle pareti di alcuni degli edifici più prestigiosi, a Delphi e Atene.

Alla fine del V secolo ci dicono che Parrasio e Zeusi, i più grandi pittori del loro tempo, introdussero nuove tecniche. Si dice che il primo abbia utilizzato il contorno in modi nuovi che hanno raggiunto un maggiore realismo, il secondo l'ombreggiatura. Questi progressi tecnici, fondamentali per la successiva pittura occidentale come l'abbandono della rigida veduta di profilo all'inizio del secolo, possono essere messi in parallelo su alcune eccezionali ceramiche a fondo bianco datate secondo criteri indipendenti intorno al 400 a.C.

Gli esperti tendono a parlare di "vasi greci" e "pittura vascolare greca", piuttosto che di vasellame o ceramica. Questa terminologia è in uso da molto tempo e riflette la lunga, e indiscutibilmente stretta, relazione del materiale con la storia dell'arte. La borsa di studio dei vasi greci si sviluppò dall'inizio del XVIII secolo, quando si iniziò a scoprire in Italia un gran numero di esempi.

Le classificazioni generali per la ceramica greca sono le stesse di qualsiasi altra: luogo, tempo, forma, tecnica e decorazione. La maggior parte è stata trovata nelle tombe. I contesti domestici sono rari perché i siti sono stati riutilizzati; ci vuole un vulcano come il Vesuvio per preservare la vita così come è stata vissuta. I contesti santuari sono noti, ma anch'essi non numerosi. Sapere dove è stata trovata la ceramica non conferma necessariamente la funzione. Ad esempio, alcuni trovati nelle tombe furono realizzati per i funerali, ma alcuni furono inizialmente realizzati per un altro scopo, usati, a volte persino riparati, e sepolti con i morti, presumibilmente come bene prezioso.

L'elemento finale nella classificazione di Sir John Beazley era l'identificazione dei singoli pittori. Riuscì ad assegnare a pittori circa la metà dei vasi che conosceva, anche se frammentari o di scarsa qualità, e questi furono registrati in elenchi pubblicati dagli anni Venti fino al 1970, anno della sua morte. Dal 1979 questi elenchi sono stati aggiornati elettronicamente. [Università di Oxford].

Vasi Dipinti Greci Antichi: Un confronto di pezzi precedenti (del Neolitico e della prima età del bronzo [II millennium aC]) mostra i miglioramenti apportati dal tornio alla finezza e alle forme dei vasi. Gli esempi dell'età del bronzo (tutti risalenti a prima del 1100 a.C.) provenienti da Cipro, Creta (le cosiddette merci "minoiche") e la Grecia continentale (le cosiddette "micenee") mostrano una varietà di merci grossolane e fini, alcune realizzate a mano e altri fatti al tornio da vasaio.

L'interazione tra Greci e vicini orientali è suggerita dalle somiglianze in questi articoli con quelli usati dai loro vicini orientali e dall'inclusione di motivi "orientali" come leoni, sfingi e fiori di loto, specialmente sui vasi arcaici (quelli realizzati nel periodo dal 700 al 480 a.C.). Gli articoli "Naucratite" (da Naucratis, una stazione commerciale greca in Egitto) mostrano l'infusione di stili greci in Egitto.

Nell'alto periodo arcaico (VII-VI secolo aC) i Corinzi furono i maggiori produttori di oggetti decorati greci, e furono i pionieri nello sviluppo del cosiddetto stile a figure nere (figure nere su fondo rosso). Gli Ateniesi si impossessarono di questo stile e con esso divennero i preminenti produttori di oggetti decorativi nel VI secolo a.C. Sperimentarono anche più tecniche, di cui la più importante divenne lo stile a figure rosse (figure rosse su sfondo nero), che iniziò da produrre nel 530 a.C

Dopo che Atene perse le sue fortune durante la guerra del Peloponneso (431-404 aC) molti dei suoi artisti cercarono mercati all'estero (ad esempio lo stile di Kerch fu utilizzato per le esportazioni ateniesi nella regione del Mar Nero nel IV secolo aC). Alcuni di questi artisti si trasferirono all'estero e avviarono attività di successo nell'Italia meridionale - in Sicilia, Puglia, Lucania e Campania, e in città come Gnathia (Egnazia) e Paestum - dove adattarono lo stile a figure rosse ai tessuti locali, forme e decorazioni. Questi e successivi stili ellenistici trassero un particolare vantaggio dall'uso del colore aggiunto. [URE Museo di Archeologia Greca].

Gli antichi artisti: Conosciamo i nomi di alcuni ceramisti e pittori di vasi greci perché hanno firmato il loro lavoro. Generalmente un pittore firmava il suo nome seguito da qualche forma del verbo 'dipinto', mentre un vasaio (o forse il pittore che scriveva per lui) firmava il suo nome con 'fatto'. A volte la stessa persona potrebbe sia dipingere che dipingere: Exekias ed Epiktetos, ad esempio, firmano sia come vasaio che come pittore. Altre volte vasaio e pittore erano persone diverse e uno o entrambi firmavano. Tuttavia, non tutti i pittori o vasai hanno firmato tutto il loro lavoro. Alcuni sembrano non aver mai firmato i loro vasi, a meno che per caso i pezzi firmati da questi artigiani non siano sopravvissuti.

Anche nel caso di vasi non firmati è talvolta possibile, attraverso un attento esame di minuziosi dettagli di stile, riconoscere pezzi dello stesso artista. L'attribuzione di vasi ateniesi a figure nere e rosse non firmati a pittori nominati e anonimi fu sperimentata nel ventesimo secolo da Sir John Davidson Beazley. Altri studiosi hanno sviluppato sistemi simili per altri gruppi di vasi, in particolare il professor AD Trendall per le ceramiche a figure rosse dell'Italia meridionale. Per facilità di riferimento Beazley e gli altri hanno dato vari soprannomi ai pittori anonimi che hanno identificato.

Alcuni prendono il nome dai noti ceramisti con i quali sembrano aver collaborato: i pittori di Brygos e Sotades, ad esempio, prendono il nome dai ceramisti con quei nomi. Altri pittori prendono il nome dal punto di ritrovamento o dalla posizione attuale di un vaso chiave, come i pittori di Lipari o di Berlino. Alcuni, come il Burgon Painter, prendono il nome da precedenti o attuali proprietari di vasi chiave. Altri prendono il nome dai soggetti di vasi chiave, come Niobid, Siren o Cyclops Painters, oppure da peculiarità di stile, come The Affecter o Elbows Out Painters. [Museo britannico]

Ceramica a figure nere: La ceramica a figure nere dell'antica Grecia (dal nome del colore delle raffigurazioni sulla ceramica) fu prodotta per la prima volta a Corinto, intorno al 700 a.C., e poi adottata dai ceramisti dell'Attica, dove sarebbe diventata lo stile decorativo dominante dal 625 a.C. consentire ad Atene di dominare il mercato della ceramica del Mediterraneo per i prossimi 150 anni. La Laconia fu un terzo, seppur minore, produttore dello stile nella prima metà del VI secolo a.C. Gli oltre 20.000 vasi a figure nere sopravvissuti consentono non solo di identificare artisti e studi, ma forniscono anche le rappresentazioni più antiche e diverse della mitologia greca, delle pratiche religiose, sociali e sportive. I vasi di ceramica sono anche uno strumento importante per determinare la cronologia dell'antica Grecia.

Evolvendosi dai precedenti disegni geometrici su ceramica, la tecnica a figure nere raffigurava animali (più favoriti a Corinto) e figure di sagome umane (preferite ad Atene) con dettagli naturalistici. Prima della cottura, un pigmento nero brillante di potassa, argilla di ferro e aceto (come fissativo) veniva applicato densamente sui vasi e dava un leggero effetto di rilievo. Ulteriori dettagli come muscoli e capelli sono stati aggiunti alle figure utilizzando uno strumento affilato per incidere il nero per rivelare il vaso di argilla sottostante e aggiungendo tocchi di vernice rossa e bianca. I bordi e i bordi dei vasi erano spesso decorati con motivi floreali, di loto e palmette.

Sono state adottate alcune convenzioni cromatiche come il bianco per la carne femminile, il nero per il maschio. Altre convenzioni erano una forma a mandorla per gli occhi delle donne, circolare per i maschi, i bambini sono come adulti ma su scala più piccola, i giovani sono senza barba, i vecchi hanno i capelli bianchi e talvolta sono curvi, e le donne anziane hanno una figura più piena. Anche alcuni gesti sono diventati convenzionali come la mano alla testa per rappresentare il dolore. Un'altra caratteristica sorprendente dello stile è la mancanza di naturalismo letterale. Le figure sono spesso raffigurate con una faccia di profilo e un corpo frontale, ei corridori sono nella posizione impossibile di entrambe le braccia e le gambe sinistra (o destra) che si muovono in avanti. Ci fu, tuttavia, qualche tentativo di ottenere una prospettiva, le viste frontali di cavalli e carri erano particolarmente popolari.

Tipici recipienti dello stile sono anfore, lekythoi (bottiglie con manico), kylixes (bicchieri con gambo), tazze semplici, pyxides (scatole con coperchio) e ciotole. Pittori e vasai erano di solito, anche se non sempre, specialisti separati. Il primo vaso firmato era di Sophilos e risale al 570 a.C. circa. Molti altri singoli pittori sono stati identificati con certezza attraverso le loro firme (più comunemente come "... ha fatto questo") e molti altri artisti non firmati possono essere riconosciuti attraverso il loro stile particolare.

Forse l'esempio più celebre della tecnica è il Francois Vase, un grande cratere a volute, di Kleitias (circa 570 a.C.) che è alto 66 cm e ricoperto da 270 figure umane e animali raffiguranti una sorprendente gamma di scene e personaggi della mitologia greca tra cui , tra gli altri, gli dei dell'Olimpo, i centauri, Achille e Peleo.

La tecnica sarebbe stata infine sostituita dalla tecnica a figure rosse (inversa) intorno al 530 a.C. I due stili furono paralleli per qualche tempo e ci sono persino esempi "bilingue" di vasi con entrambi gli stili, ma la tecnica a figure rosse, con il suo tentativo di ritrarre più realisticamente la figura umana, alla fine sarebbe diventato lo stile preferito della decorazione della ceramica greca. [Enciclopedia di storia antica].

Ceramica a figure nere: La pittura su ceramica a figure nere, nota anche come stile a figure nere o ceramica a figure nere, è uno degli stili di pittura su antichi vasi greci. Era particolarmente comune tra il VII e il V secolo aC, anche se ci sono esemplari risalenti fino al II secolo aC Stilisticamente si può distinguere dal precedente periodo orientalizzante e dal successivo stile ceramico a figure rosse. Figure e ornamenti sono stati dipinti sul corpo della nave utilizzando forme e colori che ricordano le sagome. Delicati contorni venivano incisi nella vernice prima della cottura e i dettagli potevano essere rinforzati ed evidenziati con colori opachi, solitamente bianco e rosso.

I centri principali di questo stile furono inizialmente il centro commerciale di Corinto e successivamente Atene. Si sa che altri importanti siti di produzione erano in Laconia, Beozia, Grecia orientale e Italia. In particolare in Italia si svilupparono singoli stili destinati almeno in parte al mercato etrusco. I vasi greci a figure nere erano molto apprezzati dagli Etruschi, come risulta dalle frequenti importazioni. Gli artisti greci creavano prodotti personalizzati per il mercato etrusco che differivano per forma e decoro dai loro prodotti normali. Gli Etruschi svilupparono anche una propria industria ceramica a figure nere orientata su modelli greci.

La pittura a figure nere su vasi è stato il primo stile artistico a dare origine a un numero significativo di artisti identificabili. Alcuni sono conosciuti con i loro veri nomi, altri solo con i nomi pragmatici che sono stati loro dati nella letteratura scientifica. Soprattutto l'Attica era la casa di artisti famosi. Alcuni ceramisti introdussero una varietà di innovazioni che spesso influenzarono il lavoro dei pittori; a volte sono stati i pittori a ispirare l'originalità dei ceramisti. I vasi a figure rosse e nere sono una delle fonti più importanti della mitologia e dell'iconografia, e talvolta anche per la ricerca della vita quotidiana dell'antica Grecia. Al più tardi dal XIX secolo, questi vasi sono stati oggetto di intense indagini.

La base per la pittura su ceramica è il supporto dell'immagine, in altre parole il vaso su cui è dipinta un'immagine. Forme popolari si alternano a mode passeggere. Mentre molti si sono ripresentati dopo intervalli, altri sono stati sostituiti nel tempo. Ma avevano tutti un metodo di fabbricazione comune: dopo che il vaso era stato realizzato, veniva prima asciugato prima di essere dipinto. Le botteghe erano sotto il controllo dei ceramisti, che in quanto titolari di imprese avevano una posizione sociale elevata.

La misura in cui ceramisti e pittori fossero identici è incerta. È probabile che molti maestri ceramisti stessi abbiano dato il loro principale contributo al processo produttivo come pittori di vasi, impiegando altri pittori. Non è però facile ricostruire legami tra ceramisti e pittori. In molti casi, come Tleson e il pittore di Tleson, Amasis e il pittore di Amasis o anche Nikosthenes e il pittore N, è impossibile fare attribuzioni univoche, sebbene in gran parte della letteratura scientifica si presume che questi pittori e vasai siano la stessa persona . Ma tali attribuzioni possono essere fatte con sicurezza solo se le firme del vasaio e del pittore sono a portata di mano.

I pittori, che erano schiavi o artigiani pagati come pittori di ceramiche, lavoravano su vasi crudi e asciutti come il cuoio. Nel caso della produzione a figure nere il soggetto veniva dipinto sul vaso con un impasto di argilla (una barbottina lucida, nella letteratura più antica chiamata anche vernice) che diventava nera dopo la cottura. Non si trattava di un "colore" in senso tradizionale, poiché questa barbottina superficiale era dello stesso materiale del vaso stesso, differendo solo per la dimensione delle particelle componenti. L'area per le figure è stata inizialmente dipinta con uno strumento simile a un pennello.

I contorni interni ei dettagli strutturali sono stati incisi nella barbottina in modo che l'argilla sottostante potesse essere vista attraverso i graffi. Altri due pigmenti a base di terra sono stati usati per aggiungere dettagli: rosso e bianco per ornamenti, vestiti o parti di vestiti, capelli, criniere di animali, parti di armi e altre attrezzature. Il bianco era anche usato frequentemente per rappresentare la pelle delle donne. Il successo di tutto questo sforzo poteva essere giudicato solo dopo un complicato processo di cottura in tre fasi che generava il colore rosso dell'argilla del vaso e il nero della barbottina applicata.

In particolare, il vaso è stato cotto in un forno ad una temperatura di circa 800 °C, con la conseguente ossidazione che ha conferito al vaso un colore rosso-arancio. La temperatura è stata quindi aumentata a circa 950 °C con le prese d'aria del forno chiuse e aggiunta di legna verde per rimuovere l'ossigeno. La nave è quindi diventata una tuta nera. La fase finale ha richiesto la riapertura delle prese d'aria per consentire l'ingresso di ossigeno nel forno, che è stato lasciato raffreddare. Il recipiente è poi tornato al suo colore rosso-arancio a causa della rinnovata ossidazione, mentre lo strato dipinto ora sinterizzato è rimasto del colore nero lucido che si era creato nella seconda fase.

Sebbene il punteggio sia uno dei principali indicatori stilistici, alcuni pezzi ne fanno a meno. Per questi, la forma è tecnicamente simile allo stile orientalizzante, ma il repertorio di immagini non riflette più la pratica orientalizzante. L'evoluzione della pittura su ceramica a figure nere è tradizionalmente descritta in termini di vari stili e scuole regionali. Usando Corinto come fulcro, c'erano differenze fondamentali nelle produzioni delle singole regioni, anche se si influenzavano a vicenda. Soprattutto in Attica, anche se non esclusivamente lì, i migliori e più influenti artisti del loro tempo hanno caratterizzato la pittura ceramica greca classica.

La tecnica a figure nere fu sviluppata intorno al 700 aC a Corinto e utilizzata per la prima volta all'inizio del VII secolo aC dai ceramisti protocorinzi, che dipingevano ancora in stile orientalizzante. La nuova tecnica ricordava i pezzi di metallo inciso, con le stoviglie di metallo più costose sostituite da vasi di ceramica con figure dipinte su di essi. Un caratteristico stile a figure nere sviluppato prima della fine del secolo. La maggior parte degli elementi orientalizzanti era stata abbandonata e non c'erano ornamenti ad eccezione delle rosette tamponate (le rosette erano formate da una disposizione di piccoli punti individuali).

L'argilla usata a Corinto era morbida, con una tinta gialla, occasionalmente verde. Lo sparo difettoso era una cosa ovvia, si verificava ogni volta che la complicata procedura di sparo non funzionava come desiderato. Il risultato era spesso una colorazione indesiderata dell'intero vaso o di parti di esso. Dopo la cottura, la barbottina lucida applicata al vaso è diventata nera opaca. I colori supplementari rosso e bianco apparvero per la prima volta a Corinto e poi divennero molto comuni. I vasi dipinti sono solitamente di piccolo formato, raramente più alti di 30 cm. Fiaschi per olio (alabastra, aryballos), pissidi, crateri, oenocho e coppe erano i vasi dipinti più comuni. Diffusi erano anche i vasi scolpiti.

A differenza dei vasi attici, le iscrizioni sono rare e le firme dei pittori lo sono ancora di più. La maggior parte dei vasi superstiti prodotti a Corinto sono stati trovati in Etruria, Bassa Italia e Sicilia. Nel VII e nella prima metà del VI secolo a.C., la pittura vascolare corinzia dominò il mercato mediterraneo della ceramica. È difficile costruire una sequenza stilistica per la pittura vascolare corinzia. In contrasto con la pittura attica, ad esempio, le proporzioni della base in ceramica non si sono evolute molto. Spesso è anche difficile datare i vasi corinzi; spesso ci si deve basare su date secondarie, come la fondazione di colonie greche in Italia.

Sulla base di tali informazioni è possibile tracciare una cronologia approssimativa utilizzando confronti stilistici, ma raramente si avvicina alla precisione della datazione dei vasi attici. Sono frequentemente raffigurate scene mitologiche, in particolare Eracle e figure relative alla guerra di Troia. Ma le immagini sui vasi corinzi non hanno una gamma tematica così ampia come le opere successive dei pittori attici. Gli dei sono raramente raffigurati, Dioniso mai. Ma il ciclo tebano era più popolare a Corinto che in seguito ad Atene. Principalmente combattimenti, cavalieri e banchetti erano le scene più comuni della vita quotidiana, quest'ultima apparsa per la prima volta durante il primo periodo corinzio.

Le scene sportive sono rare. Le scene con ballerini dal ventre grasso sono uniche e il loro significato è controverso fino ai giorni nostri. Questi sono bevitori le cui pance e natiche sono imbottite di cuscini e possono rappresentare una prima forma di commedia greca. Lo stile di transizione (640-625 aC) collegò lo stile orientalizzante (protocorinzio) con lo stile a figure nere. Il vecchio stile del fregio animale del periodo proto-corinzio si era esaurito, così come l'interesse dei pittori di vasi per le scene mitologiche. Durante questo periodo le creature animali e ibride erano dominanti. La forma indice dell'epoca era l'aryballos sferico, che veniva prodotto in gran numero e decorato con fregi di animali o scene di vita quotidiana.

La qualità dell'immagine è inferiore rispetto al periodo orientalizzante. Gli artisti più illustri dell'epoca furono lo Shambling Bull Painter, la cui opera più famosa è un aryballos con una scena di caccia, il Painter of Palermo 489, e il suo discepolo, il Columbus Painter. Lo stile personale di quest'ultimo può essere facilmente riconosciuto nelle sue immagini di potenti leoni. Oltre all'aryballos, il kotyle e l'alabastron sono le forme di vasi più importanti. I bordi dei kotyles erano decorati e le altre decorazioni consistevano in animali e raggi. Le due superfici verticali dei vasi presentano frequentemente scene mitologiche. Gli alabastron erano solitamente dipinti a figure singole.

Il Duel Painter fu il più importante pittore antico corinzio (625-600 a.C.) che dipinse scene di combattimento su aryballos. A partire dal periodo medio corinzio (600-575 aC), i colori opachi furono usati sempre più frequentemente per enfatizzare i dettagli. Le figure sono state inoltre dipinte utilizzando una serie di punti bianchi. Gli aryballos divennero più grandi e ricevettero una base piatta. Il pittore di Pholoe è ben noto, la sua opera più famosa è uno skyphos con un'immagine di Eracle. Il Dodwell Painter continuò a dipingere fregi di animali, anche se altri pittori avevano già abbandonato questa tradizione. Il suo periodo creativo si estese fino al tardo corinzio e la sua influenza non può essere sopravvalutata sulla pittura vascolare dell'epoca.

Altrettanto di eccezionale fama furono il maestro del Gruppo del Gorgoneion e il Pittore della Cavalcata, designato a causa della sua predilezione per la raffigurazione di cavalieri su interni di coppe; fu attivo intorno al 580 aC Due dei suoi capolavori sono una coppa raffigurante il suicidio di Aiace e un cratere a colonna raffigurante una coppia di sposi su un carro. Tutte le figure mostrate sulla ciotola sono etichettate. Il primo artista noto per nome è il pittore di vasi policromi Timonidas (de), che firmò una fiasca e un pinax. Su un pinax compare anche il nome di un secondo artista, Milonidas.

La brocca da vino olpe corinzia fu sostituita da una versione attica dell'oinochoe con labbro a quadrifoglio. Al tempo del Corinto medio, le raffigurazioni di persone divennero di nuovo più comuni. Il Cratere Eurytios datato intorno al 600 aC è considerato di qualità particolarmente elevata; mostra un simposio nel fregio principale con Eracle, Eurizio e altre figure mitiche. In epoca tardo corinzia (a volte designata tardo corinzio I, 575–550 aC) i vasi corinzi avevano un rivestimento rosso per aumentare il contrasto tra le grandi aree bianche e il colore piuttosto pallido del vaso di argilla.

Ciò mise in competizione gli artigiani corinzi con i ceramisti attici, che nel frattempo avevano assunto un ruolo di primo piano nel commercio della ceramica. Anche le forme dei vasi attici furono sempre più copiate. Le oinochoes, la cui forma era rimasta sostanzialmente immutata fino a quel momento, cominciarono ad assomigliare a forme attiche; anche lekythos iniziò ad essere sempre più prodotto. Il cratere a colonna, invenzione corinzia che per questo nel resto della Grecia era chiamato korinthios, fu modificato. L'accorciamento delle volute sopra le anse diede origine al cratere calcidico. Il campo dell'immagine principale era decorato con varie rappresentazioni di vita quotidiana o scene mitologiche, il campo secondario conteneva un fregio di animali. La parte posteriore mostrava spesso due grandi animali.

Le coppe erano diventate più profonde già in epoca medio-corinziana e questa tendenza continuò. Sono diventati popolari quanto i kotyle. Molti di loro hanno scene mitologiche all'esterno e una smorfia di gorgone all'interno. Questo tipo di pittura fu adottato anche dai pittori attici. Da parte loro, i pittori corinzi hanno rilevato i campi dell'immagine incorniciata da Atene. I fregi animali divennero meno importanti. Durante questo periodo fu attivo il terzo pittore corinzio con un nome noto, Chares. Va ricordato anche il Pittore di Tideo, che intorno al 560 aC amava dipingere anfore da collo a fondo rosso.

Rosette incise continuarono ad essere poste sui vasi; mancano solo in pochi crateri e coppe. L'opera d'arte più notevole di questo periodo è l'Anphiaraos Krater, un cratere a colonne creato intorno al 560 a.C. come opera principale del Pittore di Amphiaraos. Mostra diversi eventi della vita dell'eroe Amphiaraos. Intorno al 550 aC terminò la produzione di vasi figurati. Il successivo stile tardo corinzio II è caratterizzato da vasi solo con ornamenti, solitamente dipinti con una tecnica di silhouette. Gli successe lo stile a figure rosse, che però non raggiunse una qualità particolarmente elevata a Corinto.

Con oltre 20.000 pezzi esistenti, i vasi attici a figure nere costituiscono la più grande e allo stesso tempo più significativa collezione di vasi, seconda solo ai vasi attici a figure rosse. I ceramisti attici beneficiarono dell'eccellente argilla ricca di ferro trovata in Attica. I vasi attici a figure nere di alta qualità hanno un rivestimento uniforme, lucido, nero come la pece e il fondotinta in argilla di terracotta dai colori intensi è stato meticolosamente levigato. La pelle delle donne è sempre indicata con un colore bianco opaco, che viene spesso utilizzato anche per dettagli come singoli cavalli, vestiti o ornamenti. I più eminenti artisti attici hanno elevato la pittura vascolare a arte grafica, ma sono stati prodotti anche un gran numero di prodotti di media qualità e di mercato di massa.

L'eccezionale significato della ceramica attica deriva dal loro repertorio quasi infinito di scene che coprono una vasta gamma di temi. Questi forniscono ricche testimonianze soprattutto riguardo alla mitologia, ma anche alla vita quotidiana. Sono invece praticamente assenti immagini riferite ad eventi contemporanei. Tali riferimenti sono solo occasionalmente evidenti sotto forma di annotazioni, ad esempio quando le iscrizioni kalos sono dipinte su un vaso. I vasi venivano prodotti per il mercato interno da un lato, ed erano importanti per celebrations o in relazione ad atti rituali. D'altra parte, erano anche un importante prodotto di esportazione venduto in tutta l'area del Mediterraneo. Per questo motivo la maggior parte dei vasi superstiti proviene da necropoli etrusche.

La tecnica a figure nere fu applicata per la prima volta a metà del VII secolo a.C., durante il periodo della pittura vascolare proto-attica. Influenzati dalla ceramica di Corinto, che all'epoca offriva la massima qualità, i pittori di vasi attici passarono alla nuova tecnologia tra il 635 aC circa e la fine del secolo. All'inizio seguirono da vicino i metodi ei soggetti dei modelli corinzi. Il Pittore di Berlino A 34 all'inizio di questo periodo è il primo pittore individuale identificato. Il primo artista con uno stile unico è stato il pittore di Nessos. Con la sua anfora Nessos ha creato il primo pezzo eccezionale in stile attico a figure nere.

Allo stesso tempo fu uno dei primi maestri dello stile del fregio animale attico. Uno dei suoi vasi fu anche il primo vaso attico conosciuto esportato in Etruria. A lui si devono anche le prime rappresentazioni di arpie e sirene nell'arte attica. In contrasto con i pittori corinzi, usò linee incise doppie e persino triple per rappresentare meglio l'anatomia animale. Una linea di spalla a doppia incisione divenne una caratteristica dei vasi attici. Anche le possibilità insite in grandi pezzi di ceramica come le anfore del ventre come portatori di immagini sono state riconosciute in un primo momento. Altri pittori importanti di questo periodo pionieristico furono il Pittore del Pireo, il Pittore di Bellerofonte e il Pittore del Leone.

Lo stile a figure nere si affermò generalmente ad Atene intorno al 600 aC Uno dei primi sviluppi ateniesi fu l'anfora a testa di cavallo, il nome deriva dalla raffigurazione di teste di cavallo in una finestra di immagini. windows immagine furono utilizzate frequentemente nel periodo successivo e furono poi adottate anche a Corinto. Alle anfore a testa di cavallo sono associati il ​​Pittore del Cerameico e il Pittore della Gorgone. L'influenza corinzia non solo fu mantenuta, ma addirittura intensificata. Il fregio animale era riconosciuto come generalmente obbligatorio e abitualmente utilizzato. Ciò aveva ragioni economiche oltre che stilistiche, perché Atene gareggiava con Corinto per i mercati. I vasi attici venivano venduti nell'area del Mar Nero, Libia, Siria, Bassa Italia e Spagna, oltre che all'interno della patria greca.

Oltre a seguire i modelli corinzi, i vasi ateniesi mostravano anche innovazioni locali. Così all'inizio del VI secolo aC sorse un lekythos di "tipo Deianaira", dalla forma ovale allungata. Il pittore più importante di questo primo periodo fu il Gorgon Painter (600–580 aC). Era un artista molto produttivo che raramente faceva uso di temi mitologici o figure umane, e quando lo faceva, li accompagnava sempre con animali o fregi animali. Alcuni dei suoi altri vasi avevano solo rappresentazioni di animali, come nel caso di molti vasi corinzi.

Oltre al Gorgon Painter vanno ricordati i pittori del Gruppo Komast (585–570 aC). Questo gruppo decorava tipi di vasi nuovi ad Atene, vale a dire lekanes, kotyles e kothons. L'innovazione più importante è stata tuttavia l'introduzione della coppa komast, che insieme alle "coppe prekomast" della Oxford Palmette Class rappresenta l'inizio dello sviluppo delle coppe attiche. Pittori importanti in questo gruppo furono l'anziano KX Painter e il meno talentuoso KY Painter, che introdussero il cratere a colonna ad Atene. Questi vasi sono stati progettati per l'uso nei banchetti e sono stati quindi decorati con scene komos rilevanti, come le scene komos degli artisti komast.

Altri pittori significativi della prima generazione furono il Panther Painter, l'Anagyrus Painter, il Painter of the Dresden Lekanis e il Polos Painter. L'ultimo rappresentante significativo della prima generazione di pittori fu Sophilos (580–570 aC), che è il primo pittore di vasi attico conosciuto per nome. In tutto firmò quattro vasi superstiti, tre come pittore e uno come vasaio, rivelando che a questa data i ceramisti erano anche pittori di vasi nello stile a figure nere. Una separazione fondamentale di entrambi i mestieri sembra essersi verificata solo nel corso dello sviluppo dello stile a figure rosse, sebbene non si possa escludere una precedente specializzazione.

Sophilos fa un uso liberale delle annotazioni. Apparentemente si specializzò in vasi di grandi dimensioni, poiché si sa che sono sue opere soprattutto i dinosauri e le anfore. Molto più frequentemente dei suoi predecessori, Sophilos mostra scene mitologiche come i giochi funebri per Patroclo. Con lui inizia il declino del fregio animale, e anche le piante e gli altri ornamenti sono di qualità inferiore poiché sono considerati meno importanti e quindi ricevono scarsa attenzione dal pittore. Ma per altri aspetti Sophilos dimostra di essere un artista ambizioso. Su due dinosauri è raffigurato il matrimonio di Peleo e Teti.

Questi vasi sono stati prodotti all'incirca nello stesso periodo del vaso François, che raffigura questo soggetto alla perfezione. Tuttavia, Sophilos fa a meno di decorazioni sotto forma di fregi di animali su uno dei suoi due dinosauri, e non combina miti diversi in scene distribuite su varie superfici di vasi. È il primo grande vaso greco che mostra un unico mito in più segmenti interconnessi. Una caratteristica speciale dei dinosauri è l'applicazione da parte del pittore della vernice bianca opaca che designa le donne direttamente sulla base di argilla, e non come di consueto sulla lucentezza nera.

I dettagli e i contorni interni della figura sono dipinti in un rosso opaco. Questa particolare tecnica è rara, trovata solo in vasi dipinti nella bottega di Sophilos e su pannelli di legno dipinti in stile corinzio nel VI secolo a.C. Sophilos dipinse anche uno dei rari calici (una varietà di calice) e creò la prima serie superstite di tavolette votive. Lui stesso o uno dei suoi successori decorò anche il primo vaso matrimoniale (noto come lebes gamikos) trovato.

A partire dal secondo terzo del VI secolo aC, gli artisti attici si interessarono alle scene mitologiche e ad altre rappresentazioni di figure. I fregi animali divennero meno importanti. Solo pochi pittori se ne sono occupati, e sono stati generalmente spostati dal centro dell'attenzione ad aree meno importanti dei vasi. Questo nuovo stile è rappresentato in particolare dal vaso François, firmato sia dal vasaio Ergotimos che dal pittore Kleitias (570–560 aC). Questo cratere è considerato il vaso dipinto greco più famoso. È il primo cratere a volute conosciuto fatto di argilla.

Gli eventi mitologici sono raffigurati in diversi fregi, con fregi di animali mostrati in luoghi secondari. Su questo vaso compaiono per la prima volta diversi dettagli iconografici e tecnici. Molti sono unici, come la rappresentazione di un albero abbassato di un veliero; altri sono entrati a far parte del repertorio standard, come le persone sedute con una gamba dietro l'altra, invece che con il tradizionale posizionamento parallelo delle gambe. Altri quattro vasi più piccoli furono firmati da Ergotimos e Kleitias, e ad essi sono attribuiti ulteriori vasi e frammenti. Forniscono prove di altre innovazioni di Kleitias, come la prima rappresentazione della nascita di Atena o della Danza di Creta.

Nearchos (565–555 aC) firmato come vasaio e pittore. Prediligeva le figure grandi e fu il primo a creare immagini che mostrassero l'imbracatura di un carro. Un'altra innovazione è stata quella di posizionare un disegno a lingua su uno sfondo bianco sotto il bordo del vaso. Altri pittori di talento furono il Pittore di Akropolis 606 e il Ptoon Painter, il cui pezzo più noto è l'Hearst Hydria. Significativo anche il Gruppo Burgon, fonte della prima anfora panatenaica totalmente conservata.

La coppa Siana si è evoluta dalla coppa komast intorno al 575 a.C. Mentre il Gruppo Komast produceva forme diverse dalle coppe, alcuni artigiani si specializzarono nella produzione di coppe dopo l'epoca del primo importante esemplificatore delle coppe Siana, il Pittore C (575-555 a.C.). Le coppe hanno un bordo più alto rispetto al passato e una base a forma di tromba su uno stelo cavo relativamente corto. Per la prima volta nella pittura vascolare attica l'interno della coppa era decorato con immagini incorniciate (tondo). C'erano due tipi di decorazioni. Nello stile "a due piani" il corpo della coppa e il labbro hanno ciascuno decorazioni separate. Nello stile "sovrapposizione" l'immagine si estende sia sul corpo che sul labbro.

Dopo il secondo quarto del VI secolo aC ci fu un maggiore interesse per la decorazione soprattutto di coppe con immagini di atleti. Un altro importante pittore di coppe Siana fu il pittore di Heidelberg. Anche lui dipinse quasi esclusivamente coppe Siana. Il suo soggetto preferito era l'eroe Eracle. Il Pittore di Heidelberg è il primo pittore attico a mostrarlo con il cinghiale di Erimanto, con Nereo, con Busiride e nel giardino delle Esperidi. Il Pittore di Cassandra, che decorava coppe di medie dimensioni con basi alte e labbra, segna la fine dello sviluppo della coppa Siana.

È soprattutto significativo come il primo pittore noto ad appartenere ai cosiddetti Piccoli Maestri, un folto gruppo di pittori che hanno prodotto la stessa gamma di vasi, noti come coppe dei Piccoli Maestri. Le cosiddette tazze Merrythought sono state prodotte contemporaneamente alle tazze Siana. I loro manici hanno la forma di una forchetta a due punte e terminano in quello che sembra un bottone. Queste tazze non hanno un bordo delineato. Hanno anche una ciotola più profonda con un piede più alto e più stretto.

L'ultimo pittore eccezionale del periodo arcaico preclassico fu Lydos (560-540 aC), che firmò due delle sue opere superstiti con ho Lydos (il Lidio). Lui oi suoi immediati antenati provenivano probabilmente dall'Asia Minore, ma fu senza dubbio formato ad Atene. Gli vengono ora attribuiti oltre 130 vasi superstiti. Una delle sue immagini su un'idria è la prima rappresentazione attica conosciuta della lotta tra Eracle e Gerione. Lydos fu il primo a mostrare Eracle con la pelle di un leone, che in seguito divenne comune nell'arte attica. Ha anche raffigurato la battaglia tra gli dei ei giganti su un dinosauro trovato sull'acropoli di Atene ed Eracle con Cycnus.

Lydos decorava altri tipi di vasi oltre a hydriai e dinos, come piatti, coppe (coppe Siena sovrapposte), crateri a colonna e psykter, nonché tavolette votive. Continua ad essere difficile identificare i prodotti di Lydos in quanto tali poiché spesso differiscono solo leggermente da quelli del suo ambiente immediato. Lo stile è abbastanza omogeneo, ma i pezzi variano notevolmente in termini di qualità. I disegni non sono sempre prodotti con cura.

Lydos era probabilmente un caposquadra in un laboratorio molto produttivo nel distretto della ceramica di Atene. Fu presumibilmente l'ultimo pittore di vasi attico a mettere fregi di animali su grandi vasi. Sempre nella tradizione corinzia, i suoi disegni di figure sono un anello nella catena di pittori di vasi che si estende da Kleitias attraverso Lydos e i pittori di Amasis a Exekias. Insieme a loro ha partecipato all'evoluzione di quest'arte in Attica e ha avuto un'influenza duratura.

Una forma particolare di vasi attici di questo periodo era l'anfora tirrenica (550-530 aC). Si trattava di anfore a collo ovoidale con decorazioni atipiche rispetto al consueto canone stilistico attico dell'epoca. La quasi totalità dei circa 200 vasi superstiti è stata ritrovata in Etruria. Il corpo dell'anfora è solitamente suddiviso in più fregi paralleli. Il fregio superiore o della spalla di solito mostra una scena popolare della mitologia. Ci sono a volte soggetti meno comuni, come una scena unica del sacrificio di Polissena. In questa posizione del vaso si trovano anche le prime immagini erotiche conosciute sui vasi attici. Sull'anfora tirrenica i pittori appongono frequentemente annotazioni che identificano i personaggi rappresentati.

Gli altri due o tre fregi erano decorati con animali; a volte uno di loro veniva sostituito con un fregio vegetale. Il collo è solitamente dipinto con una croce o festoni a palmette di loto. Le anfore sono piuttosto colorate e ricordano i prodotti corinzi. In questo caso è stata ovviamente volutamente copiata una forma corinzia per produrre un particolare tipo di vaso per il mercato etrusco, dove lo stile era popolare. È possibile che questa forma non sia stata fabbricata ad Atene ma da qualche altra parte in Attica, o anche fuori dall'Attica. Importanti pittori furono il Pittore Castellani e il Pittore Goltyr.

Il periodo compreso tra il 560 e l'inizio della pittura su ceramica a figure rosse intorno al 530/520 aC è considerato l'apice assoluto della pittura vascolare a figure nere. In questo periodo gli artisti migliori e più noti sfruttarono tutte le possibilità offerte da questo stile. Il primo pittore importante di questo periodo fu il pittore Amasis (560–525 aC), dal nome del famoso vasaio Amasis, con il quale lavorò principalmente. Molti ricercatori li considerano la stessa persona. Ha iniziato la sua carriera pittorica all'incirca nello stesso periodo di Lydos, ma è stato attivo per un periodo quasi doppio.

Mentre Lydos mostrava più le abilità di un abile artigiano, il pittore di Amasis era un artista affermato. Le sue immagini sono intelligenti, affascinanti e sofisticate e il suo sviluppo artistico personale si avvicina a un riflesso dell'evoluzione complessiva della pittura vascolare attica a figure nere in quel momento. I suoi primi lavori mostrano la sua affinità con i pittori di coppe Siana. I progressi possono essere facilmente riconosciuti nel modo in cui disegna le pieghe dei vestiti. Le sue prime figure femminili indossano abiti senza pieghe. Successivamente dipinge pieghe piatte e spigolose, e alla fine riesce a trasmettere l'impressione di abiti morbidi e fluenti.

I disegni di indumenti erano una delle sue caratteristiche principali; gli piaceva raffigurare abiti a disegni e con frange. I gruppi di figure che mostra il Pittore di Amasis erano disegnati con cura e composti simmetricamente. Inizialmente erano piuttosto statiche, le figure successive trasmettono un'impressione di movimento. Sebbene il pittore di Amasis abbia spesso raffigurato eventi mitologici - è noto per i suoi satiri dalla faccia di maiale, ad esempio - è meglio conosciuto per le sue scene di vita quotidiana.

Fu il primo pittore a ritrarli in misura significativa. Il suo lavoro ha influenzato in modo decisivo il lavoro dei pittori a figure rosse in seguito. Forse ha anticipato alcune delle loro innovazioni o ne è stato influenzato verso la fine della sua carriera pittorica: su molti dei suoi vasi le donne sono rappresentate solo di contorno, senza riempimento nero, e non sono più identificabili come donne dall'applicazione di opaco bianco come il colore della pelle.

Il gruppo E (550–525 aC) era una vasta collezione autonoma di artigiani ed è considerato il gruppo anonimo più importante che produce ceramiche attiche a figure nere. Rompe rigorosamente con la tradizione stilistica di Lydos sia per l'immagine che per il contenitore. Le anfore a collo ovoidale furono completamente abbandonate, i crateri a colonna furono quasi del tutto abbandonati. Invece, questo gruppo ha introdotto le anfore del ventre di tipo A, che poi sono diventate una forma indice. Le anfore da collo venivano solitamente prodotte solo in versioni personalizzate. Il gruppo non aveva alcun interesse per i piccoli formati. Molte scene, specialmente quelle che hanno origine nei miti, sono state riprodotte più e più volte.

Così diverse anfore di questo gruppo mostrano Eracle con Gerione o il Leone di Nemea, e sempre più Teseo e il Minotauro, così come la nascita di Atena. Il particolare significato del gruppo è, tuttavia, nell'influenza che ha esercitato su Exekias. La maggior parte degli artisti attici del periodo copiarono gli stili del Gruppo E e di Exekias. Il lavoro di Lydos e del pittore di Amasis, al contrario, non fu imitato così frequentemente. Beazley descrive così l'importanza del gruppo per Exekias: "Il gruppo E è il terreno fertile da cui germoglia l'arte di Exekias, la tradizione che riprende e supera nel suo cammino da eccellente artigiano a vero artista".

Exekias (545-520 aC) è generalmente considerato il maestro assoluto dello stile a figure nere, che con lui raggiunge il suo apice. Il suo significato non è dovuto solo alla sua magistrale pittura vascolare, ma anche alla sua ceramica innovativa e di alta qualità. Ha firmato 12 dei suoi vasi sopravvissuti come vasaio, due sia come pittore che come vasaio. Exekias ha probabilmente avuto un ruolo importante nello sviluppo delle coppe Little-master e dell'anfora del ventre di tipo A menzionate sopra, e forse ha inventato il cratere del calice, almeno il pezzo più antico esistente proviene dalla sua bottega. A differenza di molti altri artigiani comparabili, come pittore attribuiva grande importanza all'attenta elaborazione degli ornamenti.

Anche i dettagli delle sue immagini - le criniere dei cavalli, le armi, i vestiti - sono straordinariamente ben eseguiti. Le sue scene sono solitamente monumentali e le figure emanano una dignità precedentemente sconosciuta nella pittura. In molti casi ha rotto con le convenzioni attiche. Per il suo vaso più famoso, la coppa di Dioniso, fu il primo a utilizzare un rivestimento interno rosso corallo invece del consueto colore rosso. Questa innovazione, così come il posizionamento di due paia di occhi all'esterno, collega Exekias con le classiche conchiglie oculari. Probabilmente ancora più innovativo fu l'uso dell'intero interno della coppa per il suo quadro di Dioniso, sdraiato su una nave da cui spuntano le viti.

In questo periodo era infatti consuetudine decorare la superficie interna solo con una faccia di gorgone. La coppa è probabilmente uno degli esperimenti intrapresi nel distretto della ceramica per aprire nuovi orizzonti prima dell'introduzione dello stile a figure rosse. Fu il primo a dipingere una nave che naviga lungo il bordo di un dinosauro. Solo raramente aderiva ai modelli tradizionali di rappresentazione di soggetti mitologici abituali. Anche la sua rappresentazione del suicidio di Aiace è significativa. Exekias non mostra l'atto in sé, che era nella tradizione, ma piuttosto i preparativi di Aiace.

Famosa quanto la coppa di Dioniso è un'anfora con la sua visualizzazione di Aiace e Achille impegnati in un gioco da tavolo. Non solo la rappresentazione è dettagliata, Exekias trasmette anche l'esito del gioco. Quasi nello stile di un fumetto, fa annunciare a entrambi i giocatori i numeri che hanno lanciato con i loro dadi: Aiace un tre e Achille un quattro. Questa è la rappresentazione più antica conosciuta di questa scena, di cui non si fa menzione nella letteratura classica. Non meno di 180 altri vasi superstiti, databili dalla versione Exekias fino al 480 aC circa, mostrano questa scena.

John Boardman sottolinea lo status eccezionale di Exekias che lo distingue dai tradizionali pittori di vasi: "Le persone raffigurate dall'artista precedente sono al massimo bambole eleganti. Amasis (il pittore di Amasis) è stato in grado di visualizzare le persone come persone. Ma Exekias potrebbe immaginarli come dei e quindi darci un assaggio dell'arte classica". Riconoscendo che i pittori di vasi nell'antica Grecia erano considerati artigiani piuttosto che artisti, Exekias è tuttavia considerato dagli storici dell'arte di oggi un artista affermato il cui lavoro può essere paragonato ai dipinti "principali" (murales e dipinti su tavola) di quel periodo.

Apparentemente anche i suoi contemporanei lo riconobbero. La Collezione di antichità classiche di Berlino nell'Altes Museum contiene i resti di una serie delle sue tavolette votive. La serie completa aveva probabilmente 16 pannelli individuali. Effettuare un tale ordine con un vasaio e un pittore di vasi è probabilmente unico nell'antichità ed è la prova dell'alta reputazione di questo artista. Le tavolette mostrano il lutto per una donna ateniese morta, così come il suo giacere nello stato e il trasporto in una tomba. Exekias trasmette sia il dolore che la dignità delle figure.

Una particolarità, ad esempio, è che il capo del corteo funebre gira il viso per guardare direttamente lo spettatore, per così dire. Anche la raffigurazione dei cavalli è unica; hanno temperamenti individuali e non sono ridotti alla loro funzione di animali nobili, come invece è consuetudine sui vasi. Ci fu un'ulteriore specializzazione tra i produttori di vasi e coppe durante il periodo classico maturo. Le coppe komast e Siana di grande volume si sono evolute tramite le coppe Gordion in graziose varianti chiamate coppe Little-master a causa della loro delicata pittura. I ceramisti e i pittori di questa forma sono perciò chiamati Piccoli Maestri.

Dipingevano principalmente coppe a fascia e coppe per labbra. Le coppe per le labbra prendono il nome dal loro labbro relativamente pronunciato e delineato. L'esterno della coppa conservava gran parte dello sfondo in argilla e in genere recava solo poche piccole immagini, a volte solo iscrizioni, o in alcuni casi l'intera coppa era decorata solo in minima parte. Anche nella zona delle anse raramente si trovano più di palmette o iscrizioni vicino ai punti di attacco. Queste iscrizioni possono essere la firma del vasaio, il brindisi di un bevitore o semplicemente una sequenza di lettere senza senso. Ma spesso anche gli interni delle coppette labbra sono decorati con immagini.

Le coppe a fascia hanno una transizione più morbida tra il corpo e il bordo. La decorazione è a forma di fascia che circonda l'esterno della coppa e spesso può essere un fregio molto elaborato. Nel caso di questa forma il bordo è rivestito con una sottoveste nera lucida. L'interno conserva il colore dell'argilla, ad eccezione di un punto nero dipinto al centro. Le varianti includono tazze Droop e tazze Kassel. Le coppe cadenti hanno labbra nere e concave e un piede alto. Come per le coppe a fascia classiche, il bordo è lasciato nero, ma l'area sottostante è decorata con ornamenti come foglie, boccioli, palmette, puntini, aureole o animali all'esterno della coppa.

Le tazze Kassel sono di forma piccola, più tozze rispetto alle altre tazze dei Piccoli Maestri, e l'intero esterno è decorato. Come nel caso delle coppe Droop, vengono dipinti principalmente gli ornamenti. Famosi Piccoli Maestri sono i vasai Phrynos, Sokles, Tleson ed Ergoteles, gli ultimi due figli del vasaio Nearchos. Hermogenes ha inventato una varietà Little Master di skyphos ora conosciuta come Hermogenes skyphos. Vanno qui menzionati anche il Pittore di Phrynos, il Pittore di Taleides, il Pittore di Xenokles e il Gruppo di Rodi 12264. Fino alla fine del secolo la qualità della produzione di vasi a figure nere poté sostanzialmente mantenersi.

Ma dopo lo sviluppo dello stile a figure rosse intorno al 530 aC, presumibilmente ad opera del pittore Andokides, sempre più pittori passarono allo stile a figure rosse, che forniva molte più possibilità per aggiungere dettagli all'interno dei contorni delle figure. Il nuovo stile ha permesso anche molti esperimenti più promettenti con scorci, viste prospettiche e nuovi progetti per gli arrangiamenti. I contenuti delle scene, come sempre, riflettevano le tendenze del gusto e lo spirito dei tempi, ma lo stile a figure rosse creava migliori presupposti per presentare scene più elaborate sfruttando le nuove possibilità di arrangiamento.

Ma nel frattempo, alcuni artigiani innovativi potrebbero ancora dare nuovi impulsi alla produzione di vasi a figure nere. Il vasaio più fantasioso dell'epoca, nonché uomo d'affari di talento, era Nikostene. Oltre 120 vasi portano la sua firma, a indicare che sono stati realizzati da lui o nella sua bottega. Sembra essersi particolarmente specializzato nella produzione di vasi per l'esportazione in Etruria. Nella sua bottega venivano prodotte le solite anfore da collo, Piccoli Maestri, Droop e coppe oculari, ma anche un tipo di anfora che ricordava la ceramica bucchero etrusca, chiamata anfora Nikosthenic dal nome del suo creatore.

Questi pezzi sono stati rinvenuti in particolare a Caere, gli altri tipi di vasi solitamente a Cerveteri e Vulci. Le tante invenzioni della sua bottega non si limitavano alle forme. Nella bottega di Nikostene fu sviluppata quella che è nota come la tecnica dei Sei, in cui le figure venivano dipinte in marrone rossastro o bianco su una striscia nera lucida. Non è chiaro se Nikosthenes dipinse anche vasi, nel qual caso di solito si presume che sia identico al pittore N. Anche il pittore BMN e il pittore Nikosthenes a figure rosse prendono il nome da Nikosthenes. Nella sua bottega impiegò molti famosi pittori di vasi, tra cui gli anziani Lydos, Oltos ed Epiktetos. La tradizione del laboratorio fu continuata dal successore di Nikosthenes, Pamphaios.

Due pittori di vasi a figure nere sono considerati manieristi (540-520 aC). Il pittore Elbows Out ha decorato principalmente le coppe dei Piccoli Maestri. I gomiti estesi delle sue figure sono cospicui, una caratteristica responsabile del suo nome pragmatico. Raramente raffigurava scene mitologiche; le scene erotiche sono molto più comuni. Ha anche decorato una rara forma di vaso nota come lydion. Il più importante dei due pittori fu L'Affettatore, il cui nome deriva dall'impressione esageratamente artificiale delle sue figure.

Queste figure dalla testa piccola non sembrano agire tanto quanto posare. I suoi primi lavori mostrano scene di vita quotidiana; in seguito si rivolse a scene decorative in cui sono riconoscibili figure e attributi, ma difficilmente azioni. Se le sue figure sono vestite, sembrano imbottite; se sono nudi sono molto spigolosi. L'Affettatore era sia vasaio che pittore; sono sopravvissuti oltre 130 dei suoi vasi. Il Pittore di Antimenes (530-500 aC) amava decorare l'idria con fregi di animali nella predella, e soprattutto anfore da collo.

Due hydrie a lui attribuite sono decorate nella zona del collo con la tecnica del fondo bianco. Fu il primo a dipingere anfore con una maschera simile al volto di Dioniso. Il più famoso dei suoi oltre 200 vasi superstiti mostra una raccolta di olive sul retro. I suoi disegni sono raramente veramente precisi, ma non sono nemmeno eccessivamente trascurati. Stilisticamente, il pittore Psiax è strettamente imparentato con il Pittore di Antimenes, sebbene anche il primo usasse la tecnica a figure rosse. Come insegnante dei pittori Eufronio e Finzia, Psiax ebbe una grande influenza sullo sviluppo iniziale dello stile a figure rosse. Mostra spesso scene di cavalli e carri e arcieri.

L'ultimo importante gruppo di pittori fu il Gruppo Leagros (520-500 aC), dal nome dell'iscrizione kalos che usavano frequentemente, Leagros. Anfore e idrie, quest'ultime spesso con palmette nella predella, sono i vasi dipinti più frequentemente. Il campo dell'immagine è solitamente riempito al massimo, ma la qualità delle immagini è comunque molto elevata. Molti degli oltre 200 vasi di questo gruppo erano decorati con scene della guerra di Troia e della vita di Eracle. Pittori come l'arguto pittore Acheloos, il tradizionale pittore di Chiusi e il pittore dell'alba con i suoi dettagli fedeli appartengono al gruppo Leagros.

Altri noti pittori di vasi dell'epoca sono il Pittore del Vaticano Mourner, il Pittore Princeton , il Pittore di Monaco 1410 e lo Swing Painter (540-520 a.C.), a cui sono attribuiti molti vasi. Non è considerato un artista molto bravo, ma le sue figure sono involontariamente divertenti a causa delle figure con le loro grandi teste, nasi strani e pugni spesso chiusi. Il lavoro del Rycroft Painter ha una somiglianza con la pittura vascolare a figure rosse e le nuove forme di espressione. Gli piaceva rappresentare scene dionisiache, cavalli e carri e le avventure di Eracle. Usa spesso disegni di contorno.

I circa 50 vasi a lui attribuiti, solitamente di grandi dimensioni, sono elegantemente dipinti. La classe di CM 218 decorava principalmente variazioni delle anfore nicosteniche. La classe Hypobibazon lavorava con un nuovo tipo di anfora ventrale con anse e piedi arrotondati, la cui decorazione è caratterizzata da un meandro chiave sopra i campi dell'immagine. Una variante più piccola dell'anfora da collo è stata decorata dal Three Line Group. Il gruppo Perizoma adottò intorno al 520 a.C. la nuova forma dello stamnos. Verso la fine del secolo, produzioni di alta qualità erano ancora prodotte dal Pittore di Eufileto, dal Pittore di Madrid e dal fantasioso Pittore di Priamo.

In particolare i pittori di coppe come Oltos, Epiktetos, Pheidippos e Skythes dipingevano vasi sia in stile a figure rosse che a figure nere (ceramica bilingue), principalmente coppe oculari. L'interno era solitamente a figure nere, l'esterno a figure rosse. Esistono diversi casi di anfore le cui facce anteriori e posteriori sono decorate nei due diversi stili.

Le più famose sono le opere del Pittore di Andokide, le cui scene a figure nere sono attribuite al Pittore di Lisippide. Gli studiosi sono divisi sulla questione se questi pittori siano la stessa persona. Solo pochi pittori, ad esempio Nikoxenos Painter e Athena Painter, hanno prodotto grandi quantità di vasi utilizzando entrambe le tecniche. Sebbene la ceramica bilingue sia stata piuttosto popolare per un breve periodo, lo stile è passato di moda già verso la fine del secolo.

Dall'inizio del V secolo a.C. fino al 480 a.C. al più tardi, tutti i pittori di fama usavano lo stile a figure rosse. Ma i vasi a figure nere continuarono ad essere prodotti per circa altri 50 anni, con una progressiva diminuzione della loro qualità. Gli ultimi pittori che produssero immagini di qualità accettabile su grandi vasi furono il Pittore di Eucharides e il Pittore di Kleophrades. Solo le officine che producevano forme più piccole come olpes, oenoches, skyphos, piccole anfore a collo e particolari lekythos usarono sempre di più l'antico stile.

Il Pittore di Phanyllis usò la tecnica dei Sei, tra gli altri metodi, e sia il Pittore di Edimburgo che il Pittore di Gela decorarono la prima lekythos cilindrica. Il primo ha prodotto principalmente scene casuali, chiare e semplici utilizzando uno stile a figure nere su fondo bianco. Il fondo bianco dei vasi era piuttosto spesso e non veniva più dipinto direttamente sul fondo in argilla, tecnica che divenne lo standard per tutti i vasi a fondo bianco. Il Pittore di Saffo specializzato in lekythos funerarie.

Il laboratorio del pittore Haimon è stato particolarmente produttivo; sono sopravvissuti oltre 600 dei loro vasi. Il Pittore di Atena (che forse è identico al Pittore di Bowdoin a figure rosse) e il Pittore di Perseo continuarono a decorare grandi lekythos standard. Le scene del Pittore di Atena irradiano ancora parte della dignità insita nel lavoro del Gruppo Leagros. Il pittore Marathon è principalmente noto per il lekythos funerario trovato nel tumulo per gli ateniesi che morirono nella battaglia di Marathon nel 490 a.C.

L'ultimo pittore significativo di lekythos, il pittore di Beldam, lavorò dal 470 a.C. circa al 450 a.C. Ad eccezione delle anfore del premio panatenaico, lo stile a figure nere giunse al termine in Attica in questo periodo. Tra i vasi attici a figure nere, un ruolo particolare rivestono le anfore premio panatenaiche. Dopo il 566 aC - quando furono introdotte o riorganizzate le celebrations panatenaiche - costituivano il premio per i vincitori delle gare sportive e venivano riempite con l'olio d'oliva, uno dei principali beni di esportazione della città. Sul davanti recavano abitualmente l'immagine della dea Atena in piedi tra due pilastri su cui si appollaiavano i galli; sul retro c'era una scena sports .

La forma era sempre la stessa ed è stata modificata solo leggermente nel lungo periodo della sua produzione. L'anfora del ventre era, come suggerisce il nome, in origine particolarmente bulbosa, con collo corto e piede lungo e stretto. Intorno al 530 a.C. i colli si accorciano e il corpo un po' più stretto. Intorno al 400 aC le spalle del vaso erano notevolmente ridotte in larghezza e la curva del corpo del vaso appariva ristretta. Dopo il 366 aC i vasi tornano ad essere più eleganti e diventano ancora più stretti.

Questi vasi sono stati prodotti principalmente nei principali laboratori del distretto di Kerameikos. Sembra che sia stato un onore o particolarmente redditizio ricevere una commissione per la produzione dei vasi. Questo spiega anche l'esistenza di molte anfore premiate da eccellenti pittori di vasi. Oltre ai migliori pittori a figure nere come Euphiletos Painter, Exekias, Hypereides e il gruppo Leagros, molti maestri artigiani a figure rosse sono noti come creatori di anfore da premio. Questi includono il Pittore di Eucharides, il Pittore di Kleophrades, il Pittore di Berlino, il Pittore di Achilleus e Sophilos, che fu l'unico ad aver firmato uno dei vasi superstiti.

Il primo vaso conosciuto è stato prodotto dal Gruppo Burgon ed è noto come vaso Burgon. Poiché il nome del funzionario regnante (Arconte) appare occasionalmente sul vaso dopo il IV secolo aC, alcuni vasi possono essere datati con precisione. Poiché le Panathenaia erano feste religiose, lo stile e il tipo di decorazione non cambiarono né durante il periodo a figure rosse né dopo che i vasi figurati non furono più realmente commerciati ad Atene. Le anfore premiate furono prodotte nel II secolo aC e ne sono sopravvissute circa 1.000. Poiché per alcune date è noto il numero di anfore assegnate a un vincitore, è possibile dedurre che sia sopravvissuto circa l'uno per cento della produzione totale di vasi ateniesi. Altre proiezioni portano a concludere che in tutto ad Atene siano stati prodotti circa sette milioni di vasi con figure dipinte. Oltre alle anfore da premio, furono prodotte anche forme imitative note come anfore da premio pseudo-panatenaiche.

A partire dal VII secolo a.C. a Sparta si producevano ceramiche dipinte per il consumo locale oltre che per l'esportazione. I primi pezzi di qualità furono prodotti intorno al 580 a.C. Lo zenit nella ceramica a figure nere fu raggiunto tra il 575 e il 525 a.C. che inizialmente era considerata la fonte originaria della ceramica. La qualità delle navi è molto alta. L'argilla era ben impastata e riceveva un rivestimento color crema.

Anfore, hydriai, crateri a colonna (chiamati krater lakonikos nell'antichità), crateri a volute, crateri calcidici, lebes, aryballoi e la coppa spartana, la lakaina, furono dipinti. Ma la forma indice e il reperto più frequente è la coppa. In Laconia la ciotola profonda veniva solitamente posta su un piede alto; le coppe sui piedi bassi sono rare. L'esterno è tipicamente decorato con ornamenti, solitamente festoni di melograni, e la scena interna è piuttosto ampia e contiene figure. In Laconia prima che nel resto della Grecia il tondo divenne la cornice principale per le scene di coppe.

Anche l'immagine principale è stata divisa in due segmenti in un primo momento, una scena principale e una più piccola, inferiore. Spesso il vaso era rivestito solo con una barbottina lucida o decorato solo con pochi ornamenti. Le iscrizioni sono rare ma possono apparire come annotazioni di nomi. Le firme sono sconosciute sia per i ceramisti che per i pittori. È probabile che gli artigiani della Laconia fossero pittori di ceramiche perioeci. I tratti caratteristici della ceramica spesso corrispondono alla moda di noti pittori. È anche possibile che fossero ceramisti migranti dalla Grecia orientale, il che spiegherebbe la forte influenza greca orientale soprattutto sul pittore di Boreads.

Nel frattempo si possono distinguere almeno otto pittori di vasi. Cinque pittori, Arkesilas Painter (565–555), Boreads Painter (575–565), Hunt Painter, Naucratis Painter (575–550) e Rider Painter (550–530) sono considerati i rappresentanti più importanti dello stile, mentre altri pittori sono considerati artigiani di minore abilità. Le immagini sono generalmente spigolose e rigide e contengono fregi di animali, scene di vita quotidiana, in particolare simposi, e molti soggetti mitologici.

Di quest'ultimo sono raffigurati con particolare frequenza Poseidone e Zeus, ma anche Eracle e le sue dodici fatiche, nonché i cicli di leggende tebane e troiane. Soprattutto sui primi vasi, una smorfia di gorgone è posta in un tondo a coppa. Eccezionali sono una raffigurazione della ninfa Cirene e un tondo con un cavaliere con un viticcio a spirale che cresce dalla sua testa (nome vaso del Pittore del Cavaliere). Importante anche una coppa con l'immagine di Arcesilao II. La coppa Arcesilas ha fornito il nome pragmatico del Pittore di Arcesilas.

È una delle rare raffigurazioni su ceramica greca di eventi o persone attuali. I soggetti suggeriscono l'influenza attica. Un viola rossastro era il principale colore opaco. Attualmente sono noti oltre 360 ​​vasi laconici, di cui quasi un terzo, 116 pezzi, attribuiti al Pittore di Naucratis. Il declino intorno al 550 a.C. della pittura vascolare corinzia a figure nere, che ebbe un'importante influenza sulla pittura laconica, portò a una massiccia riduzione della produzione laconica di vasi a figure nere, che terminò intorno al 500 a.C. distribuito, da Marsiglia alla Grecia ionica. A Samo, la ceramica laconica è più comune di quella corinzia a causa della stretta alleanza politica con Sparta.

I vasi a figure nere furono prodotti in Beozia dal VI al IV secolo aC Ancora all'inizio del VI secolo aC molti pittori beoti usavano la tecnica del contorno orientalizzante. In seguito si orientarono strettamente sulla produzione attica. Distinzioni e attribuzioni a una delle due regioni sono talvolta difficili e i vasi possono anche essere confusi con la ceramica corinzia. I vasi attici e corinzi di bassa qualità sono spesso dichiarati opere della Beozia. Spesso i buoni vasi beoti sono considerati attici e i vasi attici poveri sono erroneamente considerati beoti. Probabilmente c'è stato uno scambio di artigiani con l'Attica.

In almeno un caso è certo che un vasaio attico emigrò in Beozia (il Pittore di Cavalli-Uccelli, e forse anche il Pittore di Tokra, e tra i ceramisti certamente Teisia l'ateniese). I soggetti più importanti sono fregi di animali, simposi e scene di komos. Le scene mitologiche sono rare e, quando presenti, di solito mostrano Eracle o Teseo. Dalla fine del VI secolo fino al V secolo predominò uno stile simile a una silhouette.

Sono stati dipinti soprattutto kantharos, lekanis, tazze, piatti e brocche. Come ad Atene, ci sono iscrizioni kalos. Ai vasai beoti piaceva particolarmente produrre vasi modellati, così come kantharos con aggiunte scolpite e pissidi tripodi. Anche le forme di lekanis, coppe e anfore da collo furono riprese da Atene. Lo stile pittorico è spesso umoristico e c'è una preferenza per scene komos e satiri.

Tra il 425 e il 350 aC i vasi cabeirici erano il principale stile a figure nere in Beozia. Nella maggior parte dei casi si trattava di una forma ibrida tra un kantharos e uno skyphos con coppa profonda e anse ad anello verticali, ma non mancavano lebe, coppe e pissidi. Prendono il nome dal luogo principale in cui sono stati trovati, il Santuario dei Kabeiroi vicino a Tebe. Le scene, solitamente dipinte su un solo lato del vaso, raffigurano il culto locale. I vasi caricano eventi mitologici in una forma umoristica ed esagerata. A volte vengono mostrate scene di komos, che presumibilmente erano direttamente correlate al culto.

Anche la pittura vascolare a figure nere in Eubea fu influenzata da Corinto e soprattutto dall'Attica. Non sempre è facile distinguere queste opere dai vasi attici. Gli studiosi ipotizzano che la maggior parte della ceramica sia stata prodotta a Eretria. Principalmente venivano dipinte anfore, lekythos, hydria e piatti. Le anfore di grande formato erano solitamente decorate con scene mitologiche, come le avventure di Eracle o il Giudizio di Paride. Le grandi anfore, derivate da forme del VII secolo, hanno labbra affusolate e solitamente scene relative a matrimoni. Si tratta apparentemente di vasi funerari prodotti per bambini morti prima di potersi sposare.

L'uso contenuto dell'incisione e l'uso regolare del bianco opaco per gli ornamenti floreali erano caratteristiche tipiche della ceramica a figure nere di Eretria. Oltre a scene che riflettono modelli attici, c'erano anche scene più selvagge come lo stupro di un cervo da parte di un satiro o Eracle con centauri e demoni. I vasi della classe dei delfini erano precedentemente considerati attici, ma ora sono considerati euboici. Tuttavia, la loro argilla non corrisponde a nessuna fonte eretriana conosciuta. Forse i pezzi sono stati prodotti a Calcide.

L'origine di alcuni stili regionali a figure nere è controversa. Ad esempio, la pittura su ceramica calcidica era un tempo associata all'Eubea; nel frattempo si ritiene più probabile la produzione in Italia. In quasi nessun'altra regione della Grecia i confini tra lo stile orientalizzante e quello a figure nere sono così incerti come nel caso dei vasi della Grecia orientale. Fino al 600 aC circa venivano impiegati solo disegni di contorno e spazi vuoti. Poi, durante la fase tarda dello stile orientalizzante, cominciarono ad apparire i disegni incisi, la nuova tecnica proveniente dalla Ionia settentrionale.

Lo stile del fregio animale che aveva predominato in precedenza era certamente decorativo, ma offriva poche opportunità di ulteriore sviluppo tecnico e artistico. Sorsero stili regionali, specialmente in Ionia. Verso la fine dello stile Wild Goat, gli artisti ionici settentrionali imitarono, piuttosto male, i modelli corinzi. Ma già nel VII secolo si producevano vasi di alta qualità in Ionia. Dal 600 aC circa lo stile a figure nere è stato utilizzato interamente o in parte per decorare vasi.

Oltre agli stili regionali che si sono sviluppati a Klazomenai, Efeso, Mileto, Chio e Samo, c'erano soprattutto nella Ionia settentrionale stili che non possono essere localizzati con precisione. Le fiasche per olio che aderivano al modello lidio (lydion) erano comuni, ma la maggior parte di esse era decorata solo con strisce. Ci sono anche scene originali, ad esempio uno scita con un cammello battriano, o un satiro e un ariete. Per alcuni stili l'attribuzione è controversa. Così il gruppo di Northampton mostra una forte influenza ionica ma la produzione era probabilmente in Italia, forse da immigrati dalla Ionia.

A Klazomenai principalmente anfore e idrie furono dipinte a metà del VI secolo a.C. (circa 550-350 a.C.), così come ciotole profonde con figure piatte e dall'aspetto angolare. I vasi non sono molto eleganti nella lavorazione. Donne e animali danzanti erano spesso raffigurati. I principali laboratori erano quelli del Pittore di Tubinga, del Pittore di Petrie e del Gruppo Urla. La maggior parte dei vasi è stata trovata a Naukratis ea Tell Defenneh, che fu abbandonata nel 525 aC. La loro origine era inizialmente incerta, ma Robert Zahn identificò la fonte confrontandola con le immagini sui sarcofagi clazomeni.

La ceramica era spesso decorata con maschere femminili scolpite. Le scene mitologiche erano rare; ornamenti a squame di pesce, file di punti bianchi e donne danzanti dall'aspetto rigido erano popolari. La raffigurazione di un araldo in piedi di fronte a un re e una regina è unica. In generale, gli uomini erano caratterizzati da grandi barbe a forma di vanga. A partire già dal 600 a.C. e continuando fino al 520 a.C. circa, furono prodotte coppe a rosetta, successore delle coppe per uccelli della Grecia orientale, probabilmente a Klazomenai. La ceramica di Samo apparve per la prima volta intorno al 560/550 aC con forme adottate dall'Attica.

Queste sono coppe e kantharos dei Piccoli Maestri con forme facciali. Il dipinto è preciso e decorativo. Samos insieme a Mileto e Rodi era uno dei centri principali per la produzione di vasi in stile Wild Goat. La pittura vascolare di Rodi è nota principalmente dai piatti di Rodi. Questi sono stati prodotti utilizzando una tecnica policroma con molti dei dettagli incisi come nella pittura a figure nere. Dal 560 al 530 aC circa erano comuni le situle, ispirate a modelli egizi. Questi mostrano sia soggetti greci, come Tifone, sia temi dell'antico Egitto come geroglifici egizi e discipline sportive egiziane.

"Caeretan hydria" è il nome usato per uno stile particolarmente colorato di pittura vascolare a figure nere. L'origine di questi vasi è controversa in letteratura. Sulla base di una valutazione del dipinto i vasi sono stati a lungo considerati etruschi o corinzi, ma negli ultimi anni predomina l'opinione che i produttori fossero due ceramisti emigrati dalla Grecia orientale a Caere (l'odierna Cerveteri) in Etruria. Le iscrizioni in greco ionico supportano la teoria dell'emigrazione. Il laboratorio è esistito solo per una generazione.

Oggi sono noti circa 40 vasi prodotti dai due maestri artigiani in questo stile. Tutti sono hydriai tranne un alabastron. Nessuno è stato trovato al di fuori dell'Etruria; la maggior parte proveniva da Cere, da qui il loro nome. I vasi sono datati tra il 530 e il 510/500 aC circa. Le hydria ceretane sono seguite stilisticamente da anfore da collo decorate a strisce. Queste hydriai tecnicamente piuttosto inferiori sono 40-45 cm. alto. I corpi di questi vasi hanno colli alti e molto prominenti, spalle larghe e bassi piedi ad anello a forma di calici capovolti.

Molte delle hydriai sono deformi o mostrano un fuoco difettoso. Le immagini dipinte sono in quattro zone: una zona delle spalle, una zona del ventre con figure e una con ornamenti, e una parte inferiore. Tutti tranne la zona del ventre con figure sono decorati con ornamenti. There is only one caso di entrambi i fregi del ventre con figure. I loro molteplici colori li distinguono da tutti gli altri stili a figure nere. Lo stile ricorda la pittura vascolare ionica e le tavolette lignee dipinte policrome rinvenute in Egitto. Gli uomini sono mostrati con la pelle rossa, nera o bianca.

Le donne sono quasi sempre ritratte con un colore bianco opaco. I contorni così come i dettagli sono incisi, come è tipico dello stile a figure nere. Le superfici di ingobbio nero lucido sono spesso ricoperte da un ulteriore ingobbio colorato, in modo che l'ingobbio nero che si rende visibile dove sono presenti delle rigature fornisca alle varie forme dettagli interni. Sul lato anteriore le immagini sono sempre piene di azione, sul retro sono comuni i disegni araldici. Gli ornamenti sono una componente importante delle idrie; non sono sussidiari ad altri motivi. Gli stampini sono stati usati per dipingere gli ornamenti; non sono incisi.

Il Pittore di Busiris e il Pittore dell'Aquila sono nominati come pittori. Quest'ultimo è considerato il principale rappresentante di questo stile. Erano particolarmente interessati a temi mitologici che di solito rivelavano un'influenza orientale. Sul vaso del nome del pittore Busiris, Eracle calpesta il mitico faraone egiziano Busiris. Eracle è spesso raffigurato anche su altri vasi ed esistono anche scene di vita quotidiana. Ci sono anche scene non comuni, come Cetus accompagnata da un sigillo bianco.

I vasi del Ponto sono anche strettamente correlati stilisticamente alla pittura su ceramica ionica. Anche in questo caso si ipotizza che fossero prodotti in botteghe etrusche da artigiani emigrati dalla Ionia. I vasi hanno preso il loro nome fuorviante dalla raffigurazione su un vaso di arcieri ritenuti Sciti, che vivevano presso il Mar Nero (Ponto). La maggior parte dei vasi è stata rinvenuta in tombe a Vulci, un numero significativo anche a Cerveteri. La forma indice era un'anfora a collo dalla forma particolarmente slanciata, molto simile alle anfore tirreniche.

Altre forme erano oenochoes con manici a spirale, dinosauri, kyathos, piatti, bicchieri con basi alte e, meno spesso, kantharos e altre forme. L'ornamento dei vasi del Ponto è sempre simile. In generale vi è una decorazione ornamentale sul collo, poi figure sulla spalla, seguite da un'altra fascia di ornamenti, un fregio di animali, e infine un anello di raggi. Piede, collo e manici sono neri. L'importanza degli ornamenti è evidente, sebbene siano spesso realizzati in modo piuttosto trascurato; alcuni vasi sono decorati solo con ornamenti.

L'argilla di questi vasi è rosso-giallastra; la sottoveste che ricopre i vasi è nera o rosso brunastra, di alta qualità e con riflessi metallici. I colori opachi rosso e bianco sono generosamente usati per figure e ornamenti. Gli animali sono solitamente decorati con una striscia bianca sulla pancia. Gli studiosi hanno individuato sei workshop fino ad oggi. Il primo e il migliore è considerato quello del pittore di Parigi. Mostra figure mitologiche, incluso un Eracle imberbe, come era consuetudine nella Grecia orientale.

Di tanto in tanto ci sono scene che non fanno parte della mitologia greca, come Eracle che combatte Giunone Sospita ("il Salvatore") del Pittore di Parigi, o un demone lupo del Pittore di Tityos. Ci sono anche scene di vita quotidiana, scene di komos e cavalieri. I vasi sono datati a un'epoca compresa tra il 550 e il 500 aC, e se ne conoscono circa 200. I vasi etruschi di produzione locale risalgono probabilmente al VII secolo aC All'inizio assomigliano a modelli a figure nere provenienti da Corinto e dalla Grecia orientale. Si presume che nella prima fase i produttori fossero principalmente immigrati greci.

Il primo stile importante fu la pittura su ceramica del Ponto. Successivamente, nel periodo compreso tra il 530 e il 500 aC, seguì il Pittore Micali e la sua bottega. In questo periodo gli artisti etruschi tendevano a seguire i modelli attici e producevano principalmente anfore, hydriai e brocche. Di solito avevano komos e scene di simposi e fregi di animali. Le scene mitologiche sono meno comuni, ma sono prodotte con molta cura. Lo stile a figure nere terminò intorno al 480 aC Verso la fine si sviluppò uno stile manierista e talvolta una tecnica di silhouette piuttosto trascurata.

La pittura vascolare calcidica prende il nome dalle iscrizioni mitologiche che a volte apparivano in caratteri calcidesi. Per questo motivo l'origine della ceramica fu inizialmente sospettata essere l'Eubea. Attualmente si presume che la ceramica sia stata prodotta a Reggio, forse anche a Cere, ma la questione non è stata ancora definitivamente risolta. La pittura vascolare calcidese fu influenzata dalla pittura attica, corinzia e soprattutto ionica. I vasi sono stati rinvenuti principalmente in località italiane come Caeri, Vulci e Rhegion, ma anche in altre località del Mediterraneo occidentale.

La produzione di vasi calcidesi iniziò improvvisamente intorno al 560 aC Ad oggi non sono stati individuati precursori. Dopo 50 anni, intorno al 510 aC, era già finita. Sono sopravvissuti circa 600 vasi e finora sono stati identificati 15 pittori o gruppi di pittori. Questi vasi sono caratterizzati da lavori in ceramica di alta qualità. Lo strato lucido che li ricopre è solitamente nero come la pece dopo la cottura. L'argilla ha un colore arancione. I colori opachi rosso e bianco sono stati generosamente utilizzati nel dipinto, così come le incisioni per produrre dettagli interni.

La forma indice è l'anfora da collo, che rappresenta un quarto di tutti i vasi conosciuti, ma ci sono anche coppe oculari, oenochoes e hydria; altri tipi di navi sono meno comuni. Fanno eccezione le lekanis e le coppe in stile etrusco. I vasi sono economici e rigorosi nella costruzione. Il "piede di coppa calcidese" è una caratteristica tipica. A volte è copiato in vasi attici a figure nere, meno spesso in vasi a figure rosse. Il più importante degli artisti conosciuti della vecchia generazione è il Pittore di Iscrizioni, dei rappresentanti più giovani il Pittore di Fineo.

Il primo è presumibilmente il creatore dello stile; circa 170 dei vasi superstiti sono attribuiti alla bottega molto produttiva di quest'ultimo. Probabilmente è anche l'ultimo rappresentante di questo stile. Le immagini sono solitamente più decorative che narrative. Vengono mostrati cavalieri, fregi di animali, immagini araldiche o gruppi di persone. Una grande croce di loto-palmette fa spesso parte dell'immagine. Le scene mitologiche sono rare, ma quando si verificano sono generalmente di qualità eccezionalmente alta.

La pittura vascolare pseudo-calcidica è il successore della pittura calcidica. È vicino a Calcidian ma ha anche forti legami con la pittura vascolare attica e corinzia. Così gli artisti usarono l'alfabeto ionico piuttosto che quello calcidico per le iscrizioni. Anche la struttura dell'argilla è diversa. Ci sono circa 70 vasi conosciuti di questo tipo, che furono classificati per la prima volta da Andreas Rumpf. È possibile che gli artigiani fossero successori dei vasai e ceramisti calcidesi emigrati in Etruria.

La pittura vascolare pseudo-calcidica è classificata in due gruppi. Il più antico dei due è il Gruppo Polifemo, che ha prodotto la maggior parte dei vasi superstiti, principalmente anfore da collo e oinocho. Di solito vengono rappresentati gruppi di animali, meno raramente scene mitologiche. I vasi sono stati trovati in Etruria, in Sicilia, a Marsiglia e Vix. Il Gruppo Memnon più giovane e meno produttivo, al quale sono attualmente attribuiti 12 vasi, ebbe una distribuzione geografica molto più ridotta, essendo limitato all'Etruria e alla Sicilia. Fatta eccezione per un'oinochoe, producevano solo anfore da collo, solitamente decorate con animali e cavalieri.

I vasi del gruppo di Northampton erano tutti anfore a collo piccolo ad eccezione di un'anfora a ventre singolo. Sono stilisticamente molto simili alla pittura vascolare ionica settentrionale, ma furono probabilmente prodotti in Italia piuttosto che in Ionia, forse in Etruria intorno al 540 aC I vasi di questo gruppo sono di altissima qualità. Presentano ricche decorazioni ornamentali e scene che hanno catturato l'interesse degli studiosi, come un principe con i cavalli e qualcuno che cavalca una gru. Sono simili all'opera del Gruppo di Campana Dinoi e alla cosiddetta Anfora di Northampton la cui argilla è simile a quella di Caeretan hydriai. Il gruppo di Northampton prende il nome da questa anfora. Le tonde Campana hydriai richiamano modelli beoti ed eubei.

Gli alabastron con corpi cilindrici di Andros sono rari, così come i lekanis di Thasos. Questi ricordano i prodotti della Beozia, tranne per il fatto che hanno due fregi di animali invece dell'unico fregio comune per la Beozia. I piatti Thasiani seguono piuttosto i modelli attici e con le loro scene figurate sono più ambiziosi che sui lekanis. Sono note imitazioni di vasi di Chios nello stile a figure nere. Anche la ceramica locale a figure nere di Halai è rara. Dopo che gli Ateniesi occuparono Elaius sui Dardanelli, iniziò anche lì la produzione locale di ceramiche a figure nere. I prodotti modesti includevano semplici lekanis con immagini di contorno. Un piccolo numero di vasi in stile a figure nere è stato prodotto nella Francia celtica. Anche loro sono stati quasi certamente ispirati ai vasi greci.

La ricerca accademica su questi vasi è iniziata soprattutto nel XIX secolo. Da questo momento si è intensificato il sospetto che questi vasi abbiano un'origine greca piuttosto che etrusca. Soprattutto un'anfora panatenaica trovata da Edward Dodwell nel 1819 ad Atene ha fornito prove. Il primo a presentare una prova fu Gustav Kramer nella sua opera Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Tuttavia ci sono voluti diversi anni perché questa intuizione fosse generalmente accettata. Eduard Gerhard pubblica negli Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica un articolo intitolato Rapporto Volcente in cui indaga sistematicamente i vasi; fu il primo studioso a farlo.

A tal fine nel 1830 studiò i vasi rinvenuti a Tarquinia, confrontandoli, ad esempio, con vasi rinvenuti in Attica ed Egina. Durante questo lavoro ha identificato 31 firme di pittori e ceramisti. In precedenza, era noto solo il vasaio Taleides. Il passo successivo della ricerca è stata la catalogazione scientifica delle principali collezioni di vasi nei musei. Nel 1854 Otto Jahn pubblicò i vasi nella Collezione statale di antichità di Monaco. In precedenza erano stati pubblicati i cataloghi dei Musei Vaticani (1842) e del British Museum (1851).

Particolarmente influente fu la descrizione della collezione di vasi nella Collezione di antichità classiche di Berlino, raccolta nel 1885 da Adolf Furtwängler. Furtwängler è stato il primo a classificare i vasi per regione di origine artistica, tecnologia, stile, forma e stile pittorico, che hanno avuto un effetto duraturo sulla ricerca successiva. Nel 1893 Paul Hartwig tentò nel suo libro Meisterschalen di identificare vari pittori sulla base di iscrizioni kalos, firme e analisi di stile. Edmond Pottier, curatore del Louvre, iniziò nel 1919 il Corpus Vasorum Antiquorum.

Tutte le principali raccolte mondiali sono pubblicate in questa serie, che nel 2009 ammontava a oltre 300 volumi. La ricerca scientifica sulla pittura vascolare attica deve molto a John D. Beazley. Iniziò a studiare questi vasi intorno al 1910, avvalendosi del metodo sviluppato dallo storico dell'arte Giovanni Morelli per lo studio dei dipinti, affinato da Bernard Berenson. Presumeva che ogni pittore creasse opere originali che potessero sempre essere attribuite inequivocabilmente. Ha utilizzato dettagli particolari come volti, dita, braccia, gambe, ginocchia e pieghe dei vestiti. Beazley ha studiato 65.000 vasi e frammenti, di cui 20.000 a figure nere.

Nel corso dei suoi studi, durati quasi sei decenni, seppe attribuirne 17.000 per nome o utilizzando un sistema di nomi pragmatici, e classificarli in gruppi di pittori o botteghe, relazioni e affinità stilistiche. Ha identificato oltre 1.500 ceramisti e pittori. Nessun altro archeologo ha avuto un'influenza così decisiva sulla ricerca di un campo archeologico come Beazley, le cui analisi rimangono valide in larga misura fino ai giorni nostri. Dopo Beazley, studiosi come John Boardman, Erika Simon e Dietrich von Bothmer hanno studiato i vasi attici a figure nere.

La ricerca di base sulla ceramica corinzia fu compiuta da Humfry Payne, che negli anni '30 fece una prima classificazione stilistica che è, in sostanza, utilizzata fino ai giorni nostri. Classificò i vasi secondo la forma, il tipo di decoro ei soggetti dell'immagine, e solo successivamente fece distinzioni per pittori e botteghe. Ha seguito il metodo di Beazley, tranne per l'attribuzione di minore importanza all'assegnazione di pittori e gruppi poiché un quadro cronologico era più importante per lui. Jack L. Benson ha assunto questo compito di assegnazione nel 1953 e ha distinto 109 pittori e gruppi.

Infine, Darrell A. Amyx ha riassunto la ricerca fino a quel momento nel suo libro del 1988 Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. È tuttavia oggetto di controversia accademica se sia possibile, nel caso della ceramica corinzia, attribuire pittori specifici. La ceramica laconica era nota fin dal XIX secolo da un numero significativo di vasi provenienti da tombe etrusche. In un primo momento furono erroneamente attribuiti, essendo stati a lungo considerati un prodotto di Cirene, dove furono ritrovati anche alcuni dei pezzi più antichi.

Grazie agli scavi britannici effettuati nel Santuario di Artemide Orthia di Sparta, la loro vera origine fu rapidamente identificata. Nel 1934 Arthur Lane mise insieme tutto il materiale conosciuto e fu il primo archeologo a identificare diversi artisti. Nel 1956 le nuove scoperte furono studiate da Brian B. Shefton. Ha ridotto della metà il numero di pittori distinti. Nel 1958 e nel 1959 fu pubblicato altro nuovo materiale tarantino. A Samos è stato trovato anche un numero significativo di altri vasi. Conrad Michael Stibbe ha studiato di nuovo tutti i 360 vasi a lui noti e ha pubblicato le sue scoperte nel 1972. Ha identificato cinque pittori maggiori e tre minori.

Oltre alle ricerche sulla pittura vascolare attica, corinzia e laconica, gli archeologi sono spesso particolarmente interessati agli stili italiani minori. Gli hydriai Caeretan furono identificati e nominati per la prima volta da Carl Humann e Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff e altri archeologi sospettavano erroneamente che l'origine della ceramica calcidica fosse l'Eubea. Georg Ferdinand Dümmler è responsabile della falsa denominazione dei vasi del Ponto, che presumeva provenissero dall'area del Mar Nero a causa della raffigurazione di uno Scita su uno dei vasi. Nel frattempo, la ricerca su tutti gli stili è condotta meno da individui che da un grande gruppo internazionale di scienziati. [Wikipedia].

RECENSIONE: La ceramica greca dal 1000 circa al 400 aC circa fornisce non solo alcune delle forme di vaso più distintive dell'antichità, ma anche alcune delle rappresentazioni più antiche e diverse delle credenze e delle pratiche culturali degli antichi greci. Inoltre, la ceramica, con la sua durevolezza (anche se rotta) e la mancanza di attrattiva per i cacciatori di tesori, è uno dei grandi sopravvissuti archeologici ed è, quindi, uno strumento importante per archeologi e storici nel determinare la cronologia dell'antica Grecia.

Qualunque sia il loro valore artistico e storico, la stragrande maggioranza dei vasi greci, nonostante ora siano polverosi pezzi da museo, erano in realtà destinati all'uso quotidiano e, per parafrasare Arthur Lane, forse vale la pena ricordare che stando su un pavimento di pietra e inzuppati d'acqua , un tempo avrebbero brillato al sole del Mediterraneo. L'argilla (keramos) per produrre ceramiche (kerameikos) era facilmente reperibile in tutta la Grecia, sebbene la più pregiata fosse l'argilla attica, con il suo alto contenuto di ferro che dava un colore rosso-arancio con una leggera lucentezza quando veniva cotta e il pallido cuoio di Corinto.

L'argilla veniva generalmente preparata e affinata in vasche di decantazione in modo da poter ottenere diverse consistenze di materiale a seconda dei tipi di recipienti da realizzare con essa. La ceramica greca veniva invariabilmente realizzata al tornio da vasaio e di solito realizzata in sezioni orizzontali separate: il piede, la parte inferiore e superiore del corpo, il collo e infine i manici, se necessario. Queste sezioni sono state poi unite tra loro con una "barbottina" di argilla dopo l'essiccazione ed è possibile in molti casi vedere le impronte del vasaio impresse all'interno del vaso.

Il pezzo è stato quindi rimesso sulla ruota per levigare i segni di giunzione e aggiungere la sagomatura finale. Pertanto, tutti i vasi erano unici e le piccole variazioni nelle dimensioni rivelano che l'uso di strumenti semplici e non di sagome ritagliate era la norma. Successivamente, il vaso è stato decorato. Questo processo dipendeva dallo stile decorativo in vogue all'epoca, ma i metodi popolari prevedevano la verniciatura del vaso intero o di parti con una sottile vernice adesiva nera che veniva aggiunta con un pennello, i cui segni rimangono in molti casi visibili. Questa vernice nera era una miscela di potassa alcalina o soda, argilla con contenuto di silicio e ossido ferroso nero di ferro.

La vernice veniva fissata alla pentola usando un fissativo di urina o aceto che bruciava nel calore del forno, legando la vernice all'argilla. Un'altra tecnica, usata più raramente, consisteva nel ricoprire il vaso con una pittura a base di argilla bianca. In alternativa, solo le linee o le figure sono state aggiunte in nero utilizzando una versione più spessa della vernice nera sopra menzionata e applicata con un pennello rigido o una piuma; di conseguenza, è stato ottenuto un leggero effetto di rilievo. Dettagli minori venivano spesso aggiunti con una vernice nera diluita che dava un colore giallo-marrone, una pipa bianca e un rosso scuro di ocra e manganese. Gli ultimi due colori tendevano a sfaldarsi nel tempo.

Il vaso finito era quindi pronto per essere messo nel forno e cotto a una temperatura di circa 960 °C, che è relativamente bassa e spiega la "morbidezza" della ceramica greca (rispetto, ad esempio, alla porcellana cinese). Le pentole venivano cotte più volte (nello stesso forno) per ottenere la finitura e la colorazione richieste. In primo luogo, la pentola è stata cotta in un fuoco ossidante dove una buona ventilazione del forno ha assicurato che l'arancione/rosso dell'argilla venisse alla ribalta.

Quindi la pentola veniva ri-cotta in un forno affamato di ossigeno (processo di riduzione) aggiungendo acqua o legna umida all'interno del forno. Ciò ha assicurato che i colori dipinti, in particolare il nero, si scurissero di colore. Una terza cottura, sempre con buona ventilazione, ha arrossato di nuovo l'argilla del vaso mentre le zone dipinte, ora protette da una sottile velatura, hanno mantenuto la loro colorazione originaria. Questo complicato processo richiedeva ovviamente un ottimo tempismo da parte del vasaio per non rovinare il vaso con scolorimenti inopportuni.

I vasai greci producevano pratici recipienti per vino, acqua, olio e profumi. Pittore e vasaio (kerameus) erano di solito, anche se non sempre, specialisti separati. Tuttavia, esistevano collaborazioni durature come quella tra il vasaio Ergotimos e il pittore Kleitas. Molti vasai individuali e, meno frequentemente, pittori, sono stati identificati con certezza attraverso le loro firme (più comunemente come "... ha fatto questo") sebbene la maggior parte dei vasi greci non sia firmata. Tuttavia, il professor JD Beazley, che lavorava nel XX secolo d.C., ha identificato più di 500 artisti non firmati distinguibili per il loro stile particolare.

La catalogazione sistematica e completa di Beazley della ceramica greca ha anche consentito lo studio della sua evoluzione nelle tecniche, nei disegni e nella decorazione. I pittori spesso lavoravano in botteghe collettive, generalmente sotto la supervisione di un "maestro" vasaio (il che suggerisce che la forma era in realtà più importante della decorazione per i greci). Sebbene gli artisti fossero liberi da restrizioni o controlli politici centralizzati, senza dubbio erano guidati dalla domanda del mercato di particolari stili, soggetti e mode. Molti ceramisti e artisti furono prolifici nella loro produzione e in alcuni casi oltre 200 vasi possono essere attribuiti a un singolo artista.

La maggior parte dei lavoratori della ceramica sarebbe stata pagata non più di qualsiasi altro lavoratore manuale e un buon vaso probabilmente costava solo la paga di una giornata. Certamente però, alcuni artisti sarebbero stati molto richiesti e le loro merci sarebbero state vendute non solo localmente ma in lungo e in largo in tutto il Mediterraneo. Gli stessi vasai a volte si trasferivano in altre città, in particolare colonie, spesso portando con sé il loro stile regionale. C'era anche una certa rivalità tra gli artisti, come indicato da un commento firmato su un vaso, "meglio di quanto avrebbe mai potuto fare Eufronia".

Sebbene la ceramica greca ci fornisca un'ampia gamma di forme, dalle coppe ai piatti alle enormi anfore, molte delle forme sono rimaste relativamente costanti nel corso dei secoli. Ciò è principalmente dovuto al fatto che i vasai greci producevano articoli per uso pratico - contenenti vino, acqua, olio e profumi - e una volta che la forma pratica ottimale si era evoluta, veniva copiata e mantenuta. Tuttavia, nonostante questa restrizione nella forma, i ceramisti e pittori greci potevano esprimere la loro versatilità nella decorazione del vaso.

Le forme più comuni di vasellame erano le anfore per conservare il vino, i grandi crateri per mescolare il vino con l'acqua, le brocche (oinochoai) per versare il vino, le kylix o le coppe con il gambo e i manici orizzontali per bere (particolarmente pratiche se si solleva una coppa dal pavimento quando ci si sdraia un lettino a cena), idra con tre manici per contenere l'acqua, skyphoi o ciotole profonde e giare lekythoi per contenere oli e profumi. Proprio perché questi oggetti erano di uso pratico, i manici (quando presenti) sono generalmente robusti, eppure il vasaio, utilizzando forme attentamente studiate, riusciva spesso a fondere queste aggiunte nell'armonia complessiva del vaso ed era aiutato in questa impresa con sottili aggiunte decorative del pittore.

La ceramica greca, in particolare in termini di decorazione, si è evoluta nel corso dei secoli e può essere classificata in quattro grandi gruppi. Questi gruppi o stili, tuttavia, non sono passati bruscamente dall'uno all'altro, ma in alcuni casi sono stati contemporanei per decenni. Inoltre, alcune città-stato e regioni sono state lente nell'apprendere nuovi stili o semplicemente hanno preferito la decorazione in "vecchio" stile molto tempo dopo che erano fuori produzione altrove. Inoltre, alcune città e regioni erano costantemente un po' eccentriche nella loro decorazione (in particolare Laconia-Sparta, Cipro, Creta e Beozia) e preferivano seguire il proprio percorso artistico piuttosto che imitare gli stili dei centri più dominanti come Atene e Corinto.

Il primo stile distintivo della ceramica greca apparve per la prima volta intorno al 1000 aC o forse anche prima. Ricordando nella tecnica le precedenti civiltà greche della Creta minoica e della terraferma micenea, la prima decorazione della ceramica greca utilizzava forme semplici, usate con parsimonia. La ceramica protogeometrica, tuttavia, differisce dalla forma minoica e micenea. Il baricentro del vaso è spostato verso il basso (creando un vaso più stabile) con piedi e collo più articolati.

I disegni proto-geometrici più popolari erano cerchi dipinti con precisione (dipinti con più pennelli fissati a un compasso), semicerchi e linee orizzontali in nero e con ampie aree del vaso dipinte esclusivamente in nero. Un nuovo motivo sulle basi dei vasi erano le punte triangolari verticali che sarebbero durate per secoli e sarebbero diventate una caratteristica fondamentale del successivo design della ceramica a figure nere.

A partire dal 900 a.C. circa apparve lo stile geometrico pieno che prediligeva lo spazio rettangolare sul corpo principale del vaso tra le anse. In questo spazio sono apparsi disegni audaci e lineari (forse influenzati da vimini contemporanei e stili di tessitura) con decorazioni a linee verticali su entrambi i lati. Fu in questo periodo che apparve per la prima volta il design Maeander (forse ispirato alla pratica di avvolgere le foglie attorno ai bordi delle ciotole di metallo), destinato a diventare per sempre associato alla Grecia e che ancora oggi va forte su tutto, dai piatti ai teli mare.

La parte inferiore dei vasi geometrici era spesso dipinta di nero e separata dal resto del vaso mediante linee orizzontali. Apparve un'interessante forma in stile geometrico che era la scatola circolare con un coperchio piatto, in cima alla quale, da uno a quattro cavalli fungevano da maniglia. Dall'VIII secolo a.C., la decorazione geometrica della ceramica iniziò a includere figure umane stilizzate, uccelli e animali con quasi tutta la superficie del vaso ricoperta da linee e forme audaci dipinte in marrone e nero. Verso la fine del periodo del VII secolo aC, a Corinto si diffuse il cosiddetto stile orientalizzante.

Con i suoi collegamenti commerciali orientali, la città si appropriò delle piante stilizzate (ad esempio il loto, la palma e l'albero della vita), dei fregi di animali (ad esempio i leoni) e delle linee curve della ceramica egiziana e assira per produrre la propria versione greca unica. Il resto della Grecia orientale ha seguito l'esempio, preferendo spesso il rosso su uno sfondo bianco. Anche Atene seguì la nuova tendenza e si diffuse ad esempio con le Cicladi producendo anche ceramiche in questo nuovo stile più libero, spesso su vasi molto grandi e con decorazioni più ampie.

Alla fine del VII secolo a.C., la ceramica proto-corinzia raggiunse nuove vette di tecnica e qualità producendo le ceramiche più raffinate mai viste, per cottura, forma e decorazione. Le figure stilizzate nere si incisero sempre più precisamente e acquistarono sempre più dettagli, grazia e vigore. Nasce il celebre stile della ceramica a figure nere. Sebbene prodotti prima a Corinto, poi con pregevoli esemplari realizzati in Laconia e nell'Italia meridionale (da coloni eubei), sarebbero stati i ceramisti e i pittori dell'Attica a eccellere sopra tutti gli altri nello stile a figure nere, e avrebbero continuato a domineranno il mercato greco per i prossimi 150 anni.

Non tutte le figure sono state dipinte di nero poiché sono state adottate alcune convenzioni cromatiche, come il bianco per la carne femminile e il rosso porpora per abiti e accessori. Caratteristica dello stile è un maggiore interesse per i dettagli fini come muscoli e capelli, che sono stati aggiunti alle figure utilizzando uno strumento appuntito. Tuttavia, sono le posture delle figure che contraddistinguono anche la ceramica a figure nere come l'apice della pittura vascolare greca. Le figure più belle ricevono grazia e compostezza e spesso sono illustrate nei momenti che precedono il movimento effettivo o si riposano dopo lo sforzo.

Il famoso vaso di Exekias, con Aiace e Achille che giocano a un gioco da tavolo durante la guerra di Troia, è un eccellente esempio della dignità e dell'energia che la pittura a figure nere poteva raggiungere. Inoltre i vasi a figure nere raccontavano spesso, per la prima volta, una narrazione. Forse l'esempio più celebre è il Vaso Francois, un grande cratere a volute realizzato da Ergotimos e dipinto da Kleitas (570-565 a.C.) alto 66 cm (26 pollici) e ricoperto da 270 figure umane e animali raffiguranti una sorprendente gamma di scene e personaggi della mitologia greca. Altri vasi tipici dello stile a figure nere sono anfore, lekythoi, kylix, coppe lisce, pissidi (piccole scatole con coperchio) e ciotole.

La tecnica a figure nere fu sostituita dalla tecnica a figure rosse (figure rosse create dipingendo il loro contorno con uno sfondo nero sottoveste) intorno al 530 aC che durò per i successivi 130 anni circa. I due stili sono stati paralleli per qualche tempo e ci sono anche esempi "bilingue" di vasi con entrambi gli stili ma la figura rossa, con il suo vantaggio del pennello sul bulino, potrebbe tentare di rappresentare più realisticamente la figura umana e alla fine divenne lo stile preferito della decorazione della ceramica greca.

Forse influenzato dalle tecniche contemporanee di pittura murale, dettaglio anatomico, diverse espressioni facciali, maggiore dettaglio nell'abbigliamento (soprattutto di pieghe, seguendo la nuova moda dell'abito di chitone più leggero che ha affascinato anche gli scultori contemporanei), maggiori tentativi di raffigurare la prospettiva, la sovrapposizione di figure , e la rappresentazione della vita quotidiana come l'istruzione e le scene sportive sono tutte caratteristiche di questo stile.

Le forme dei vasi a figure rosse sono generalmente quelle dello stile a figure nere. Fa eccezione la kylix che diventa meno profonda e con piede più corto, quasi diventando una terza ansa. Inoltre la narrazione dipinta va letta girando la coppa nella mano. Altre modifiche minori sono l'idra, che diventa un po' più piena nella figura e il collo-anfora più sottile. Lekythoi di questo periodo avevano comunemente uno sfondo bianco così come (più raramente) tazze e scatole.

Nel IV secolo aC, forse nel tentativo di copiare le innovazioni prospettiche dell'affresco contemporaneo, lo stile a figure rosse rivelerà i suoi limiti ei vasi degenereranno in scene sovraffollate con strane prospettive fluttuanti. Significativamente, la pittura su ceramica non sarebbe più legata intrinsecamente alla forma che decorava e quindi cesserebbe di esistere come forma d'arte a sé stante. Di conseguenza, l'attenzione e l'eccellenza artistica si sarebbero allontanate dai confini della ceramica verso altri media più aperti come la pittura murale.

In conclusione, quindi, possiamo dire che non solo la ceramica greca ci ha dato alcune delle forme e dei disegni più distintivi, influenti e belli dell'antichità, ma ci ha anche dato una finestra sulla vita, le pratiche e le credenze di un popolo molto tempo fa e di cui molto spesso non abbiamo traccia scritta contemporanea. Questi oggetti quotidiani, a differenza di quelli della letteratura, della scultura e dell'architettura di altri sopravvissuti archeologici, ci permettono di sentirci un po' più vicini alla gente comune del mondo antico, coloro che non potevano permettersi opere d'arte o gioielli preziosi ma potevano concedersi il possesso di un oggetto finemente lavorato oggetto come un vaso greco. [Enciclopedia di storia antica].

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Publisher Kimbell Art Museum (1983)
Length 329 pages
Type 329 page catalog of Ancient Art (Hunt Brothers)
Dimensions 11 x 8½ x 1 inch; 2¾ pounds
Format Oversized illustrated softcover
  • Condition: Usato
  • Editore: Museo d'arte Kimbell (1983)
  • Lunghezza: 329 pagine
  • Tipo: Catalogo di 329 pagine di arte antica (Hunt Brothers)
  • Dimensioni: 11 x 8½ x 1 pollice; 2¾ sterline
  • Formato: Copertina morbida illustrata sovradimensionata
  • Marca: - Senza marca/Generico -

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